Le deuxième bassin du Louvre, inv. no. R26.© RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Daniel Arnaudet.

Le bassin Rothschild conservéà Waddesdon Manor, inv. no. W1/69/4. © The National Trust, Waddesdon Manor

 De même, rares sont les aiguières similaires à la nôtre, et parmi elles, bien peu atteignent cette qualité d’exécution. Une première fut vendue chez Tajan à Paris, le 23 mars 1998, lot 73 ; une autre fut adjugée chez Sotheby’s à New York, le 24 octobre 2003, lot 32, et une troisième fut vendue chez Christie’s à Paris, le 3 mai 2016, lot 192. Pour trouver une inventivité et un luxe comparables, il faut considérer d’autres types d’objets en piqué, à savoir les petits meubles, plus rares encore à voir été décorés selon cette technique et à avoir survécu au temps. Il s’agit rincipalement du plateau en piqué posé d’or présenté en vente chez Sotheby’s à Londres, le 14 juin 2000, lot 36 ; le cabinet “Dent”, autrefois dans les collections du duc d’Orléans, vendu chez Sotheby’s à Londres, le 11 février 1925, acheté par la reine Mary en 1935 et aujourd’hui dans les collections royales britanniques (inv. no. RCIN 27616) ; un cabinet plus petit visible au musée du Louvre (inv. no. R21, fig. 7) et une table conservée au musée de l’Ermitage (inv. no. Эпр-5706, fig. 8).

Le cabinet Rothschild dans les collections du Louvre, inv. no. R21.© RMN-Grand Palais (Musée du Louvre)

Gennaro Sarao (1730-1772),  Small table, Italy, 1730s, tortoise-shell, gold, mother-of-pearl and wood, 77x76x58 cm. © Hermitage State Museum, St Petersburg.

Enfin, aucune de ces pièces documentées, à l’instar des objets que nous présentons, ne sont signées.

COLLECTIONNEURS

Ainsi que le souligne la provenance de certains objets cités plus haut – figurant désormais tous dans les plus grands musées internationaux - le XIXe siècle vit les plus importantes collections européennes acquérir des oeuvres en piqué. La famille royale britannique, les ducs d’Hamilton, les Rothschild en Angleterre et en France, ou encore les marquis d’Hertford – pour ne citer que les collectionneurs les plus éminents – se disputèrent les pièces les plus réputées, qui entamèrent alors à travers l’Europe un long périple, passant entre les mains d’amateurs toujours plus érudits. Parmi eux, la reine Mary (1867-1953) qui rassembla un extraordinaire ensemble de plus deux cents objets en piqué, de qualité variable cependant. Enfin, il convient de mentionner certains membres de la famille Rothschild qui apprécièrent particulièrement ces objets, comme en France le baron Salomon de Rothschild (1835-1864) dont la veuve Adèle fit don au Louvre en 1922 du cabinet précité (R21), et en Angleterre du baron James A. de Rothschild (1878-1957) dont la collection d’objets en piqué est toujours conservée à Waddesdon Manor.

SIR JULIAN GOLDSMID

C’est dans ce contexte, marqué justement par « le Goût Rothschild », que Sir Julian Goldsmid, troisième baronnet (1838-1896), constitua sa remarquable collection.

Eduqué avec soin, il fut élu membre du Parlement en 1866, lorsqu’à la mort de son père, il hérita de Somerhill House, dans le Kent ; il succéda ensuite à son oncle Sir Francis Goldsmid comme baronnet et à la tête du domaine de Whiteknights Park, Berkshire, où sa vaste collection abritait de nombreux meubles, objets et tableaux par Constable, Turner, et Gainsborough, entre autres.

Portrait de Sir Julian Goldsmid.

Par la beauté de leurs matériaux et l’extrême raffinement de leurs incrustations en or et nacre gravés, cette aiguière et son bassin se distinguent de la plupart des exemples cités : une qualité d’exécution comparable se retrouve seulement sur la table de l’Ermitage, le cabinet des collections royales britanniques.

Contrairement à l’immense majorité des objets en piqué, y compris ceux de très bonne qualité, aucune place n’est laissée ici à un style naïf ou maladroit ce qui laisse, comme pour la table de l’Ermitage, présager d’une commande articulièrement prestigieuse. Proche de l’art des orfèvres et des céramistes, la précieuse et délicate technique du piqué symbolise parfaitement l’oeuvre d’art totale – Gesamtkunstwerk – telle qu’on la concevait au XVIIIe siècle en Europe.

NOTE: This magnificent ewer and basin, made solely for display, could conceivably be the most ambitious surviving example of piqué objects, superbly inlaid with mother-of-pearl and gold on tortoiseshell, each detail meticulously shaded and engraved. They are extremely rare, having survived together across multiple centuries.

The noble technique of piqué work, probably originating in the early Baroque period, reached its apogee in the first half of the 18th century at the Royal Court of Naples, but was also of particular importance in Germany and France.

Upon his accession to the throne of Naples and Two Sicilies in 1734, Charles III of Spain (1716-1788) especially favoured tartarugari, with Queen Amalia (1724-1760) becoming a great patron of this subtle art that quickly developed and best expressed itself in small and delicate objects. All sorts of table items were made, largely intended for display only and – because of their fragility and production costs - the exclusive privilege of sovereigns and discerning aristocrats.

Surviving pieces from Naples, which had reached the ultimate in design and craftsmanship such as the present ones, are highly uncommon (see also lots 5 and 6). As pointed out by A. González-Palacios (op. cit., p. 323) a number of goldsmiths would also specialise in piqué works, requiring in-depth knowledge of these precious metals, as well as tortoiseshell. Considerable was the influence upon their design of silver and porcelain shapes, which, even towards the mid-18th century and beyond, kept reflecting the splendid Baroque past of the city, and which, by mixing with contemporary chinoiserie designs coming from France and Germany, resulted in a highly distinctive and intricate mixture of references sometimes challenging to decipher, but of remarkable consistency.

THE TECHNIQUE

Traditionally thought to have been refined by the Neapolitan jeweller and silversmith Laurenzini in the mid-17th century, the procedure consisted of softening the tortoiseshell and then impressing the design in mother-of-pearl or strips of gold and silver while the ground material was still at a high temperature, a process carried out entirely without the assistance of glues. The four different techniques, first described in Diderot and d’Alembert’s Encyclopédie (1751) are:

-point d’or, where minute holes were filled with melted gold or silver;

-coulé, the same as above but used to fill linear engravings;

-incrusté, which made use of mother-of-pearl or gold plaques;

- posé, combining all three previous methods; this latter was only employed in the

most luxurious pieces, such as the present objects.

DESIGNS AND SOURCES OF INSPIRATION

The designs on the splendid basin are based on the whimsical chinoiserie motifs found in engravings by the influential French ornemaniste Jean Bérain (1638-1711) and the Augsburg-based Paul Decker (1677-1713), but reinterpreted through the imaginative eye of Neapolitan artists. These designs were circulated widely and, as well as providing sources for tartarugari, greatly influenced the production of Meissen porcelain and lacquered furniture during the first half of the 18th century.

Decker’s pattern book, Camin, Tabacks, Büchsen and Tischblatt Modelle, was largely based on earlier engravings by Jan Neuhof (1618-1672) published in his illustrated account of the first Dutch East-Indies embassy to China (Het Gezantschap der Neêrlandtsche Oost-Indische Compagnie, Amsterdam, 1755). In its English edition by John Ogilby (1669), this could have inspired the eleven panels by Robert Robinson now in the Victoria & Albert Museum, London. One such panel features an elephant-drawn carriage similar to the one depicted on the present basin, a possible hint to Neuhof’s book as a common source (inv. no. p.6-1954, fig. 1). Decker’s engravings, however, remain the closest sources for these chinoiseries and singeries, including particulars of fans reproduced in the basin, combining the recurrent theme of floating islands, or Inselstil, with Bandelwerk (fig. 2). Interestingly, the basin’s distinctive serpentine shape is echoed in slightly later porcelain pieces made in the Royal Manufacture at Capodimonte, established in 1743.

The design for the superb ewer, on the other hand, relates to sketches by master silversmiths such as Nicolas Ambroise Cousinet, active in Paris between 1696 and 1715. In particular, one drawing for a silver ewer with maskhead below the spout and handle formed of a female figurehead made for the third Duc d’Aumont, can be indicated as a plausible model, and as such enjoyed considerable success across Europe (cf. Versailles à Stockholm, op. cit., p. 185; reproduced here in fig. 3).

RELATED WORKS OF ART

A select group of related objects survives, presenting a combined arabesque and geometrical decorative scheme that is rarely found in Neapolitan objects. These patterns are applied to the border of the basin and to the base of the ewer, where they are alternated with trellis-work reserves. In particular, mention should be made of two basins of very similar outline in the Louvre (inv. nos. R25 and R26, figs. 4 and 5 respectively) and of one other, of nearly matching inventiveness, profusely decorated with grotesques, in the James A. de Rothschild Collection at Waddesdon Manor (inv. no. W1/69/4, cf. de Bellaigue, op. cit., p. 831, reproduced here in fig. 6).

Whilst other examples of basins, or trays, are known, their decorative schemes scarcely match the sumptuous quality of the present basin.

By the same token, few other ewers in this technique are known, arguably all of lesser eminence. This group includes one sold Tajan, Paris, 23 March 1998, lot 73, one other sold Sotheby’s New York, 24 October 2003, lot 32, and most aptly a third one sold Christie’s Paris, 3 May 2016, lot 192. For further examples of comparable inventiveness and grandeur, therefore, one should look at other kind of objects, namely the rarer cases of piqué furniture which have endured. These chiefly include an important gold piqué posé table top offered Sotheby’s London, 14 June 2000, lot 36; the “Dent” cabinet, formerly in the possession of the Duke of Orléans, sold Sotheby’s London, 11 February 1925, purchased by Queen Mary in 1935 and now in the Royal Collection (inv. no. RCIN 27616); one smaller cabinet in the Musée du Louvre (inv. no. R21, fig. 7) and one table in the Hermitage Museum, St Petersburg (inv. no. Эпр-5706, fig. 8).

Like the present basin and ewer, none of the best recorded examples appear to be signed.

PATRONAGE

As revealed by the provenance of the above mentioned works, now all in major museums worldwide, in the 19th century piqué works of art had entered the most eminent private collections of Europe. The British Royal Family, the Dukes of Hamilton, the Rothschilds of England and France, and the Marquesses of Herford among others contended the most exclusive pieces, which then journeyed across Europe along a trail of increased connoisseurship. An especially passionate collector was Mary of Teck, Queen Consort of England (1867-1953), who assembled an astonishing ensemble of nearly two hundred objects, albeit of uneven quality. Moreover, prominent members of the Rothschild family who collected piqué included, in France, Baron Salomon de Rothschild (1835-1864) whose widow, Adèle, bequeathed the rare cabinet to the Louvre in 1922 (inv. no. R21), and, in England, Baron James A. de Rothschild (1878-1957), whose collection remains at Waddesdon Manor.

SIR JULIAN GOLDSMID

It is in this context, known as “le Goût Rothschild”, that Sir Julian Goldsmid, 3rd Baronet (1838-1896), also assembled his notable collection. Privately educated, he was elected as a Member of Parliament in 1866 when, upon the death of his father, he inherited Somerhill House, in Kent, before also succeeding his uncle Sir Francis Goldsmid to the baronetcy and to the estate of Whiteknights Park, Berkshire, where his extensive collection comprised a combination of decorative arts and paintings by Constable, Turner, and Gainsborough among others.

The beauty of the materials and quality of the treatment of the engraved mother-of-pearl and gold insets arguably places the present ewer and basin on a higher level than most other comparable examples, and on a similar one to the splendid table top conserved at the Hermitage and to the cabinet in the Royal Collection. As on the St Petersburg table, the skilled hand of the artisan has left no room for the sort of naïve representation often found on even very good examples of piqué works, hinting at a particularly prestigious commission. Closely related to the art of goldsmiths and ceramists, with its intarsia of gold and silver threads, this precious and fragile technique well epitomises the idea of Gesamtkunstwerk in 18th century Europe.

Notons également cette coupe de facture napolitaine, superbe illustration du travail du piqué (estimation : 200.000 – 400.000 €). 

We can also remark on this bowl made in Naples as a superb illustration of piqué (Est. €200,000-400,000).

Lot 5. Coupe couverte en piqué d'écaille incrustrée d'or et de nacre, Naples, première moitié du XVIIIe siècle. Estimation: 200,000 — 400,000 €. Photo: Sotheby's

le couvercle sommé d’une statuette représentant Neptune, les anses en forme de sirènes, l’ensemble incrusté de nacre et piqué d’or offrant un riche décor de chinoiseries, de pagodes et d’animaux exotiques, sur chaque côté, les reserves en rinceaux ornées de chars tirés par des chevaux fougueux, sur une base circulaire à décrochements. Haut. 31 cm, larg. 20cm

Lot 5. An Italian tortoiseshell, mother-of-pearl and gold piqué cup and cover, Naples, first half 18th Century. Estimate: 200,000 — 400,000 €. Photo: Sotheby's

the cover surmounted by a standing tortoiseshell figure of Neptune, the sides with handles modelled as mermaids, the whole richly decorated with chinoiserie ornament with pagodes and exotic animals in engraved mother-of-pearl and gold piqué pose et point, on each side the scrolled reserves inlaid with chariots drawn by spirited steeds, on a stepped circular base. 31cm. high, 20cm wide; 1ft., 8in.

Provenance: Vente Christie’s Londres, 14 décembre 1988, lot 21

Provenance: Christie’s London, 14 December 1988, lot 21

Note: Cette exceptionnelle coupe couverte sur pied est ornée de statuettes en écaille superbement modelées en ronde-bosse et présente un dessin d’une grand originalité qui en fait un des plus beaux exemples d’oeuvres en piqué d’écaille au XVIIIe siècle.

Le thème marin de cette coupe associe des éléments exotiques - comme des crocodiles- des chinoiseries et des thèmes plus classiques comme la statuette de Neptune en lieu et place du frétel ou les sirènes finement sculptées formant les anses, évoquant le lien profond entre Naples et la Méditerranée.

A cette époque, les anses en forme de sirènes se retrouvent également sur les porcelaines de Capodimonte, alors que la canopée et les oiseaux appartiennent plutôt au répertoire décoratif à la Bérain. Vers 1720, le sculpteur et architecte florentin Giovan Battista Foggini (1652-1725) présente déjà ce type d’anses sur une esquisse pour une cafetière aujourd’hui conservée au Metropolitan Museum of Art, New York (inv. no. 52.591, fig. 1).

Esquisse pour une cafetière par Giovan Battista Foggini, inv. no. 52.591. © The Metropolitan Museum of Art

OEUVRES D’ART EN COMPARAISON

Aucune pièce similaire n’est connue à ce jour. En effet, de telles coupes couvertes en écaille piquée d’or ornées de statuettes en ronde-bosse sont extrêmement rares.

Les quelques pièces qui nous sont parvenues moins élaborées comprennent :

Une coupe couverte plus petite, autrefois dans les collections Rothschild, aujourd’hui conservée au Museum of Fine Arts de Boston (inv. no. 68.20a-b; fig. 2), sommée d’une statuette d’un singe accroupi soufflant dans un cor. Elle traduit toutefois un esprit différent et présente un travail de piqué moins élaboré. Une autre coupe couverte vendue par Tajan à Paris, le 23 mars 1998, lot 71.

UN OBJET MERVEILLEUX

Son riche décor et sa silhouette unique font de cette coupe un témoignage exceptionnel du travail des tartarugari – écaillistes ou tabletiers – napolitains, qui renouvelèrent constamment les thèmes décoratifs au cours du XVIIIe siècle. En outre, la statuette de Neptune rappelle le sens de l’équilibre caractéristique de la statuaire classique dont les ornemanistes et artisans de l’époque étaient familiers.

L’effet saisissant produit par cet ensemble rappelle à l’esprit les objets somptueusement montés du siècle précédent. Il n’est donc pas difficile d’imaginer notre coupe couverte dans le contexte d’un Kunst-ou Schatzkammern – présentée selon les termes de Paul Coutant, comme un parfait « racourcy du magazine du monde » (1609). Composée à la fois de naturalia et d’artificialia, cette pièce semble concentrer toute la diversité de l’univers.

Une place de choix était souvent réservée dans les collections du XVIIème siècle aux objets extraordinaires liés au monde marin auquel les récentes explorations sous-marines faisaient jouer un rôle important dans l’imaginaire collectif. Ceci explique la présence abondante dans les cabinets de curiosité de ces rares coquilles et coraux exposés aux côtés des porcelaines, des marbres antiques montés et des pièces en cristal de roche. De cette façon, les oeuvres en piqué d’écaille comme notre coupe couverte évoquent par leur décor mais également par leur matériau le monde aquatique. Oeuvre d’une culture encore profondément empreinte des idéaux baroques, la présente coupe illustre parfaitement la fusion entre les royaumes naturels et artificiels.

NOTE: Positively unique, this superlative standing cup with cover incorporates tortoiseshell figures exceptionally modelled in the round and an overall design of great originality that makes it arguably one of the best known piqué works of the 18th century.

The cup displays a coherent maritime theme that successfully combines unusually exotic elements such as the crocodiles with chinoiseries and the more traditional figures of Neptune - placed on the cover in lieu of a finial – and the two delicately modelled mermaid handles, classical references to the deep link between Naples and the Mediterranean.

Mermaid handles are found on Capodimonte porcelain of the time, while the canopy and birds are typical berainesque motifs. An antecedent for these handles can be found in a study for a coffee urn by the Florentine sculptor and architect Giovan Battista Foggini (1652-1725) datable from around 1720, and now in the Metropolitan Museum of Art, New York (inv. no. 52.591, fig. 1).

RELATED WORKS OF ART

No other closely comparable pieces are known and, in general, cups with covers realised in this technique and with figures carved in the round are extremely rare.

Surviving, if minor, pieces include:
a smaller cup with cover, formerly in the Rothschild collections, now in the Museum of Fine Arts, Boston (inv. no. 68.20a-b; fig. 2), topped by the crouching figure of a horn-blowing monkey, although different in spirit and with a less elaborate piquéwork; one other cup with cover sold Tajan Paris, 23 March 1998, lot 71;

With handles:
a pair of smaller ewers (27.5cm. high) with similar, yet plain caryatid handles modelled in the round, sharing a comparable decorative language, albeit overall in less pristine condition, sold Baron Ribeyre et Associés, Paris, 10 December 2014, lot 250 (fig. 3); finally, a single ewer with female term handle and relief mask lip was sold Christie’s Paris, 3-4 May 2016, lot 192.

AN OBJECT OF WONDER

With its rich decoration and unique design, this cup is a testament to the great creativity of Parthenopean tartarugari, who would always reinvent the assimilated decorative schemes disseminated across 18th century Europe. Additionally, the miniature figure of Neptune is remindful of the great poise of the classical statuary which would have been so familiar to Neapolitan designers and craftsmen of the time.

Furthermore, the arresting spirit of the whole composition calls to mind the lavishly mounted objects so distinctive of the previous century, and it is not difficult to conceive the present cup and cover as part of one of the Kunst- or Schatzkammern– in the words of Paul Coutant a perfect “racourcy du magazine du monde” (1609) – which, composed of both naturalia and artificialia, sought to recreate variety in a condensed microcosm.

Pride of place in these collections in the 17th century was often given to fantastical pieces related to the mysterious sea world that – because of the ongoing nautical explorations of the globe - played such a large part in the imagery of the time. Hence the abundance in such wonder rooms of rare shells and corals displayed alongside porcelain, antique mounted marbles, or rock crystal pieces. In this sense, piqué-work objects such as the present cup and cover, its maritime theme (such as the mother-of-pearl crocodile and the Neptune and mermaid figures), further reaffirmed by the very essence of the material, and stemming from a culture that was still profoundly suffused with Baroque ideals, represent the perfect fusion between the natural and artificial realms.

Cette technique fût également l’occasion d’anoblir des objets usuels tels ce rouet provenant lui aussi de la collection de Sir Julian Goldsmid. Ici, le piqué associe coulé et point d’or aux incrustations de nacre, présentant un raffinement des plus délicats et faisant naître un objet d’art original et unique (estimation : 40.000 – 60.000 €).

This technique was also an opportunity to ennoble everyday objects, such as this spinning wheel, which also comes from Sir Julian Goldsmid's collection. Here, the piqué work combines coulé and point d’or with inlaid mother of pearl, illustrating the most delicate refinement, and resulting in a unique and highly original work of art (Est. €40,000-60,000). 

Lot 6. Rouet et quenouille en piqué d’écaille incrustée d’or et de nacre, monture en bronze doré, probablement Naples, milieu du XVIIIe siècle. Estimation: €40,000-60,000. Photo: Sotheby's.

le socle ovale en écaille de tortue incrustée de nacre et piqué d’or, coulé et point d’or ; la quenouille et les autres éléments également en écaille de tortue décorée de masques, volutes, festons et cartouches; la roue ponctuée d’ancres miniatures évoquant le gouvernail d’un navire. Quantité: 2 - Long. 35 cm, haut. 22 cm

Lot 6.Gilt-bronze mounted tortoishell, mother-of-pearl and gold piqué spinning wheel and distaff, probably Italian, Naples, mid-18th Century. Estimate: €40,000-60,000. Photo: Sotheby's.

Note: Cet exceptionnel et rare rouet de salon en piqué napolitain est, avec celui visible au Louvre et celui conservéà Waddesdon Manor, le seul exemplaire de ce type àêtre parvenu jusqu’à nous. Son décor s’inspire harmonieusement des chinoiseries imaginées par l’ornemaniste Jean Bérain (1640-1711). Il correspond parfaitement à la description du rouet, autrefois dans la collection du parlementaire anglais Sir Julian Goldsmid (1838-1896) et figurant dans sa vente après-décès chez Christie’s à Londres, les 8-29 juin 1896: « A Model of a Spinning Wheel, with distaff, inlaid with masks, scrolls and arabesques in gold and mother-o’-pearl, and mounted with metal-gilt ».

UN PASSE-TEMPS ARISTOCRATIQUE

Ces rouets miniatures, dits de salon, étaient particulièrement appréciés des dames de qualitéà travers toute l’Europe. Toute jeune femme accomplice se devait de savoir filer, et ces objets étaient aussi utilitaires que décoratifs.

Certains d’entre eux étaient conçus pour pouvoir être posés sur les genoux, tandis que d’autres prenaient place sur de petites tables volantes ; ils étaient bien sûr destinés à filer la soie, le lin ou encore la laine. Une courroie reliait l’épinglier et la bobine à la roue qui était activée par une manivelle. La fileuse alimentait l’épinglier en fibres textiles tandis sa main droite actionnait la roue.

Artisanat rural à l’origine – exécuté au moyen de rouets plus imposants pour la laine ou le lin – le filage fut, dès la première moitié du XVIe siècle, adopté comme passe-temps par l’aristocratie et fit bientôt son apparition sur certains portraits comme celui d’une Dame filant par l’artiste néerlandais Maerten van Heemskerck (Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid, inv. no. 183) : datable vers 1531, il représente la femme d’un éminent édile de la ville de Haarlem, arborant un luxueux rouet en or ou bronze doré, et en nacre.

Au XVIIIe siècle, la mode s’était répandue à travers l’Europe, et l’on trouvait des rouets de salon dans toutes les demeures patriciennes, que ce soit en Italie, en Allemagne, en Autriche ou en France. Comme le relève Sylvia Groves (op. cit., p. 56), la duchesse de Northumberland (1716-1776), séjournant à Paris en 1770, mentionne dans son journal une visite chez un marchand, à l’issue de laquelle son amie Lady Berkeley « fit porter dans sa voiture une centaine de rouets afin d’en choisir quelques-uns ».

Ce passe-temps était aussi associé dans la mentalité de l’époque à l’idéal de l’épouse vertueuse et, dès lors, était considéré comme particulièrement approprié pour l’éducation des jeunes filles. La connotation morale du filage est confirmée par l’inscription figurant sur une gravure de Jacques André Joseph Aved (1702-1766) : « loisir mis à profit, moeurs douces, coeur sincère ». Ainsi, les dames de la bonne société n’hésitaient pas àêtre portraiturées filant à leur rouet miniature, comme dans le Portrait présumé de Marie-Françoise Pouget, seconde femme de Chardin des environs de 1760 par le même Aved (Musée Carnavalet, Paris, inv. no. P49), qui figure un modèle qui n’est pas sans rappeler le nôtre (fig. 1). Il faut aussi mentionner à cet égard le charmant autoportrait de l’archiduchesse Marie-Christine d’Autriche, duchesse de Teschen (1742-1798), fille de l’impératrice Marie-Thérèse et soeur de la reine Marie-Antoinette, et montrant un exemplaire plus simple mais identique au nôtre (inv. no. GG8786, Kunsthistorisches Museum à Vienne, fig. 2).

Jacques André Joseph Aved, Portrait présumé de Françoise-Marie Pouget, vers 1760, inv. no. P49. © Musée Carnavalet / Roger-Viollet

Autoportrait de l’archiduchesse Marie Christine de Habsbourg-Lorraine, vers 1775, inv. no. GG8786.© Kunsthistorisches Museum Wien

La popularité des rouets de salon perdura jusqu’à la fin du XIXe siècle, comme l’en attestent les nombreuses photographies de la reine Victoria et de sa fille la princesse Louise, posant en train de filer. On peut encore en observer un sur une vue prise en 1912 de la Morning Room de Marlborough House, alors résidence de la reine Alexandra à Londres. 

UNE PIÈCE UNIQUE

Réalisés d’après des modèles simples en bois, les rouets de salon étaient souvent enrichis de marqueterie précieuse ou de petits panneaux de laque, montés en laiton ou bronze doré. Les meilleurs ébénistes et artisans étaient sollicités par leurs clients pour leur fournir de tels objets. Pietro Piffetti (1701-1777), ébéniste de la cour de Turin, est connu pour être l’auteur, vers 1740, d’un ravissant modèle somptueusement marqueté d’ivoire et d’écaille, aujourd’hui conservé au Victoria & Albert Museum, à Londres (inv. no. W.159.1-7-1921, fig. 4). Le même musée abrite également un autre exemplaire en vernis Martin, exécutéà Paris la décennie suivante (inv. no. 4475:1-1858, fig. 5).

 Le rouet par Pietro Piffetti, ca. 1740-1750, inv. no. W.159.1-7-1921. © Victoria & Albert Museum, London.

Le rouet en Vernis Martin, 1750-1770, inv. no. 4475: 1-1858. © Victoria & Albert Museum, London

Seuls deux autres rouets en piqué sont connus et peuvent être comparés à celui, particulièrement élaboré, que nous présentons. Celui provenant des collections de Hamilton Palace et figurant maintenant dans la donation du Baron Ferdinand de Rothschild à Waddesdon Manor, constitue un rare exemple de rouet typiquement français d’époque Louis XV, combinéà un décor en piqué (inv. no. 2243, fig. 3). Le second exemplaire, décoré d’une écaille plus claire, appartient aux collections du château d’Ecouen et se trouve en dépôt au musée du Louvre (inv. no. ECL 20691, fig. 6) : c’est le seul rouet que l’on puisse véritablement comparer au nôtre. Inscrit sous le socle « Tomaso Taglaferro fecit », il provient du baron Mayer Carl de Rothschild (1820-1886) qui le légua à sa fille Adèle, baronne Salomon de Rothschild (1843-1922).

Le rouet Hamilton-Rothschild à Waddesdon Manor, inv. no. 2243.© The National Trust, Waddesdon Manor.

Le rouet du Musée d’Ecouen en dépot au Musée du Louvre, inv. no. ECL 20691.

Cependant, l’exceptionnelle qualité du travail du piqué sur notre rouet, associant coulé et point d’or aux incrustations de nacre, atteint ici un degré bien supérieur de raffinement et semble indiquer qu’il a certainement appartenu à une grande famille aristocratique. 

Note: This exceptionally rare piqué work spinning wheel, or rouet de salon, is arguably the only example surviving, together with a similar spinning wheel in the Louvre and one other at Waddesdon Manor. It displays a particularly well-balanced decoration derived from the Chinoiserie drawings by the influential ornemaniste Jean Bérain (1640-1711). The present piece could fit the description of one formerly in the collection of Sir Julian Goldsmid, MP (1838-1896) and included in his posthumous sale, Christie’s London, 8-29 June 1896: “A Model of a Spinning Wheel, with distaff, inlaid with masks, scrolls and arabesques in gold and mother-o’-pearl, and mounted with metal-gilt”.

A NOBLE PASTIME

In the 18th century, miniature spinning wheels would have been a common sight in the refined drawing rooms of ladies of title across Europe. They were therefore made for display as much as for use, since spinning was deemed one of the accomplishments required of young women. Some such wheels were intended for placing on the knees, while others were meant to rest on small tables. They were designed for spinning fibres such as silk or flax, or sometimes wool, into thread. A cord would connect the flyer to the wheel, which was operated by turning a handle attached to it. The user would feed the fibres into the flier with her left hand, while the right hand turned the wheel.

Originally a rural craft – larger, wooden wheels would be operated for linen or wool – spinning was adopted by the aristocracy from as early as the first half of the 16th century, and soon made its way into art, as shown in the striking “Portrait of a lady spinning” by Dutch artist Maerten van Heemskerck (Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, inv. no. 183). Dating from around 1531, it depicts the distinguished wife of a prominent Harleem town council member with an elaborate lap spinning wheel in gilt-bronze or giltwood and mother-of-pearl.

By the 18th century, the fashion had spread throughout Europe, and diminutive spinning wheels were to be found in the best morning rooms across Italy, Germany, Austria and France. As noted by Sylvia Groves (op. cit., p. 56) in 1770 the Duchess of Northumberland (1716-1776), then staying in Paris, recorded in her diary a visit to a marchand, where her travelling companion, Lady Berkeley, “had 100 Spinning Wheels brought into the Coach to chuse of.”

Spinning on miniature had by then become associated with pastoral ideals of domesticity and virtue, and was therefore deemed a particularly appropriate accomplishment for maiden girls. The moral connotations of this activity are clear from an inscription found on an engraving by Jacques André Joseph Aved: spinning – the artist informs us - meant “loisir mis à profit, moeurs douces, coeur sincere”. Thus, ladies would sometimes require of painters to be portrayed at a rouet de salon, as seen in the Portrait présumé de Françoise-Marie Pouget (1702-1766) from around 1760 (Musée Carnavalet, Paris), which features a not dissimilar model (fig. 1). Remarkable in this respect is also a self-portrait of Archduchess Marie-Christine of Austria (1742-1798), daughter of Empress Maria Theresa and sister of Queen Marie-Antoinette, and showing a simpler spinning wheel of the same design to the present one (fig. 2).

The enduring popularity of this pursuit, which lasted until the late 19th century, is furthermore attested by numerous photographic portraits of Queen Victoria and her daughter, Princess Louise, intent on spinning. As late as 1912, one spinning wheel can be seen in a photograph of the Morning Room at Marlborough House, London, then residence of Queen Alexandra.

A UNIQUE PIECE

Current designs of more modest wheels in wood were adopted, but enhanced by precious inlays or lacquered panels, and mounted with gilt-bronze or brass.

The greatest cabinet-makers of the age would be involved in supplying such items for their patrons. A case in point is that of the ébéniste to the Royal court of Turin, Pietro Piffetti (1701-1777) who around 1740 produced an enchanting model sumptuously inlaid with ivory and tortoiseshell now at the Victoria & Albert Museum, London (inv. no. W.159.1-7-1921, fig. 4). The same museum also houses a Vernis Martin spinning wheel made in Paris in the following decade (inv. no. 4475:1-1858, fig. 5).

Only two other piqué work pieces are known that can be likened to the more meticulously accomplished present spinning wheel. One, from the Hamilton Palace collection and now part of the Baron Ferdinand de Rothschild bequest at Waddesdon manor, is an intriguing example of a markedly French, Louis XV design applied with piqué work (inv. no. 2243, fig. 3). The other, displaying a lighter tortoiseshell, is in the Louvre, on loan from the Château d’Ecouen (inv. no. ECL 20691, fig. 6). The only truly comparable piece to the present lot, this is inscribed underneath “Tomaso Taglaferro fecit”, and belonged in the collection of Baron Mayer Carl de Rothschild (1820-1886), upon whose death it passed on to his eldest daughter, Baroness Adèle (1843-1922).

The superior quality of the piqué work applied to the oval base, in gold coulé et point and inlaid with mother-of-pearl, however, places the present rouet de salon on an altogether different level of refinement, indicating that it would most certainly have belonged to a grand aristocratic family.

La Collection Qizilbash compte aussi parmi ses trésors une splendide écritoire anglaise de la première moitié du XVIIIe siècle (estimation : 200.000 – 400.000 €). La qualité et la rareté exceptionnelles de cette pièce sont évidentes tant par sa conception que par son exécution. Si la source d’inspiration de ces dessins est l’œuvre de Juste-Aurèle Meissonnier, l’interprétation définitivement anglaise qui en est faite confirme une réalisation britannique. 

Une écritoire en or identique, enrichie a posteriori de diamants et d’une cornaline, est conservée au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg. Ainsi, l’exemplaire de la collection Qizilbash est le seul connu dans sa forme d’origine.

Among its treasures, the Qizilbash collection also includes a splendid English inkstand from the first half of the 18th century (Est. €200,000-400,000). The exceptional quality and rarity of this piece can be seen in both its design and execution. While the design was inspired from Juste-Aurèle Meissonnier’s work, its distinctly English interpretation confirms that it was made in Britain. 

An identical inkstand in gold, subsequently embellished with diamonds and a carnelian, is now in the Ermitage Museum in Saint Petersburg. The piece today in the Qizilbash collection is the only known example in its original form.  

Lot 8. Écritoire en or, Angleterre, Londres, vers 1750. Estimation: 200.000 – 400.000 €. Photo: Sotheby's.

de forme rectangulaire mouvementée, repoussée et ciselée de rinceaux, fleurs et feuillages, avec deux pots en verre détachables l’un pour l’encre, l’autre pour le sable, chacun avec un couvercle ciseléégalement de fleurs et de feuillage, un crayon et porte-crayon en trois parties, un couteau pliant à lame d’acier, deux ceaux aux matrices intactes, deux branches avec récipient en verre, peut-être pour des bougies, et une boîte à charnière à décor de rinceaux avec un appuiepousse en forme de corde, reposant sur quatre pieds à décor de rinceaux et coquilles, montée sur une âme en bronze couverte de soie rouge, l’intérieur garni de velours rouge, les parties en creux pour pièces détachées doublées de velours rouge, non poinçonnée. larg. 19 cm, prof. 12 cm

Lot 8. A George II gold inkstand, English, London, circa 1750. Estimate: 200.000 – 400.000 €. Photo: Sotheby's.

of shaped rectangular form, embossed and chased with scrolls, flowers and foliage, with two removable cut glass pots for ink and sand, each with covers chased with scrolls and foliage, a pen and pencil holder in three parts, a penknife with steel blade, two seals with vacant matrices, two brackets for glass receptacles, perhaps for candles, and a fixed hinged box chased with scrolls and with a rope-work handle, set on four feet chased with scrolls and shells, mounted on a bronze base covered in red silk, with the wells for the detachable pieces lined with red velvet, unmarked. 19cm. wide, 12cm. deep; 7½in., 4¾in.

Notes: La qualité exceptionnelle de cette écritoire de bureau en or du milieu du XVIIIème siècle d’une grande importance et rareté est évidente tant par sa conception que par son exécution. Bien que la source d’inspiration de cette écritoire soit, sans conteste, les dessins de Juste-Aurèle Meissonnier, c’est l’interprétation toute anglaise de ces dessins qui en confirme bien l’origine outre-Manche. Les dessins de Meissonnier ont été publiés à Paris par Gabriel Huquier à partir du milieu des années 1720 et ont été plus tard publiés en anglais par George Bickham comme dans The Drawing and Writing Tutor, Or a New Method to learn those Arts without a Master, in English and French, London, 1749 (Fuhring, op.cit., vol. 2, p. 336, no. 46, figs. 1 et 2).

Frontispice du livre de J.A. Meissonnier.

J.A. Meissonnier, Plan de l’écritoire de Porcelaine, planche 2

Une seule autre écritoire en or de ce genre est conservée au musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg (inv. no. E -2978, fig. 3). Le modèle est similaire, mais enrichi de diamants et d’une cornaline, probablement ajoutés après son arrivée en Russie, très certainement à la demande de l’impératrice Catherine la Grande. L’impératrice, qui aimait particulièrement les diamants, est réputée pour avoir agrémenter nombre de ses objets de pierres précieuses. L’écritoire fut transférée du Palais d’Hiver au musée de l’Ermitage, mais il n’existe aucune autre provenance antérieure (voire Olga Kostiyk, St Petersburg Jewellers, St. Petersburg, 2000. Nous remercions Dr. Marina Lopato et Dr. Olga Kostiyk pour leur aide pour la rédaction de cette notice).

 Ecritoire en or, Angleterre, Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage (inv. no. E-2978).

Il est donc important de noter que l’écritoire de la collection Qizilbash est la seule connue dans sa forme d’origine.

Un autre objet rare est un face à main en or et pierres précieuses (sans poinçon, probablement Londres, vers 1750), également à l’Ermitage, Saint-Pétersbourg (fig. 4).

Face à main en or ciselé, non poinçonné, probablement Londres, vers 1750, Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage. © State Hermitage Museum, St Petersburg.

Les créateurs de nécessaires ornés de pierres précieuses, conservés pour la plupart au Musée du Palais Impérial à Beijing, tel John Barbot, à l’enseigne de la tête de Maure sur Broad Street, St Giles (fig. 5) qui pourrait être considéré comme l’auteur possible du cette pièce rare et somptueuse. Un autre exemple (fig. 6) est un nécessaire, non signé, orné d’une importante monture à cage en or et de bijoux. Toutefois, à Londres, la loi du Parlement de 1738-1739 exonère de poinçon tout ouvrage en or qui aurait pu être endommagé par cette procédure. La quantité d’objets en or non poinçonnés pouvant être attribués, sur des bases stylistiques, à un artisan anglais, suggère que la plupart des orfèvres londoniens utilisaient cette loi pour outrepasser la réglementation sur les poinçons. En effet, si peu d’objets étaient envoyés à la touche que la Compagnie des orfèvres ne les a pas mentionnés dans les registres de la corporation des orfèvres. (voir C. Truman, op. cit., pp. 32-33). Par conséquent, aucun candidat particulier n’a été retenu avec certitude.

 Nécessaire par John Barbot, vers 1750. Musée du Palais Impérial à Beijing.

Nécessaire, non signé, orné d’une importante monture à cage en or et de bijoux; Vendu Sotheby’s London, 18 novembre  1969, lot 152.

L’afflux d’artisans huguenots arrivés après la révocation de l’Edit de Nantes en 1685 s’est installé en dehors du territoire limité de la City de Londres et de sa jurisprudence stricte. Habitant dans ce qui était considéré alors comme les alentours de Londres, ils ont puisé dans leurs inspirations françaises pour créer des « toys », objets de curiosité des plus sophistiqués. Nombreux se sont installés dans les communes de St Anne, à Soho, ou de St Giles in the Fields, ou bien dans les rues attenantes Seven Dials et Covent Garden. Ce groupe talentueux comptait de nombreux ciseleurs sur or et argent, des plus prestigieux tels George Moser, natif de Schaffhausen en Suisse, premier Gardien de la Royal Academy de Londres et maître à dessiner des enfants du roi George III, ou encore, Christopher et Augustin Heckel. Le travail de ces maîtres huguenots a étéétudié et illustré par Richard Edgcumbe dans son ouvrage magistral (Edgcumbe, op. cit., 2000). Mais ce n’est qu’assez récemment que les chercheurs tels Charles Truman, auteur de The Gilbert Collection of Gold Boxes, publié en 1991, ont pu comprendre l’ampleur de la contribution de Londres dans ce domaine.

Paire de nécessaires, John Barbot, New York, Metropolitan Museum of Art (inv. no. 45.164.1a-z). © The Metropolitan Museum of Art

Il se peut donc que l’écritoire de l’Ermitage et celle présentée ici furent conçues comme une paire pour ce marché bien qu’on ne sache comment cette dernière ait pu sortir des collections impériales.

Note: The exceptional quality of this highly important and rare mid-18th Century gold inkstand is evident in both its design and workmanship. Although the ultimate source of the design lies with Juste-Aurèle Meissonnier, it is the English interpretation of those designs which gives this remarkable piece its unmistakably English appearance. Meissonnier’s designs were published in Paris by Gabriel Huquier from the mid -1720’s onwards and the designs later issued in English by George Bickham as The Drawing and Writing Tutor, Or a New Method to learn those Arts without a Master, in English and French, London, 1749 (see Fuhring, op. cit., vol. 2, p. 336, no. 46; figs. 1 and 2).

Only one other example of a gold inkstand of this form is in the State Hermitage Museum, St. Petersburg (inv. no. E -2978; fig. 3). This is made to the same design, but encrusted with diamonds and one carnelian, probably after its arrival in Russia, and highly likely on the orders of Empress Catherine the Great. The Empress, who had a great love of diamonds, is known to have enhanced many of the objects in her collection with jewels. It was transferred to the State Hermitage Museum from the Winter Palace, but no earlier provenance has been recorded (see Olga Kostiyk, St Petersburg Jewellers, St Petersburg, 2000. We are very grateful to Dr. Marina Lopato and Dr. Olga Kostiyk for their assistance in the cataloguing of this inkstand.)

It is therefore important to mention that the Qizilbash inkstand is in its original form. Another rare object is a jewelled and chased gold hand mirror (unmarked, probably London, circa 1750), also in the Hermitage, St Petersburg (fig. 4).

The makers of jewelled necessaires, many of which are now in the Palace Museum, Beijing, such as John Barbot of the Blackamoor’s Head in Broad Street, St. Giles (fig. 5), should be considered as possible authors of this rare and sumptuous piece. Another example (fig. 6) is a necessaire, unsigned, with solid gold cagework and jewels. However, in London the Act of Parliament of 1738/39 exempted from hallmarking any piece of gold which would be damaged by the process. The quantity of unmarked gold items which can, on stylistic grounds, be regarded as English, suggests that most London goldsmiths made use of this Act to bypass the system of hallmarking. Indeed, so few pieces were sent for assay that the Goldsmiths’ Company did not enter them into the Assay Office books (see C. Truman, op. cit., pp. 32-33.) Therefore no particular candidate has come to light with any certainty.

The influx of Huguenot craftsmen who arrived following the Revocation of the Edict of Nantes in 1685 settled outside the restrictive area of the City of London with its strict guild rules. In the outer purlieus of London, as it must have seemed then, they drew on their French inheritance to produce “toys” of a highly sophisticated nature.

Many settled in the parishes of St Anne’s, Soho, or St. Giles-in-the-Fields, or in the streets around Seven Dials and Covent Garden. This talented group included many gold and silver chasers and craftsmen who ranged in status as practitioners of this particularly English art form, amongst others, George Moser (1707 – 1783), a native of Schaffhausen in Switzerland, first Keeper of the Royal Academy in London and drawing master to King George III’s children, and Augustine and Christopher Heckel.

The work of these Hugenout craftsmen has been studiously illustrated in Richard Edgcumbe’s magisterial work (2000). It is only relatively recently that scholars such as Charles Truman, author of The Gilbert Collection of Gold Boxes, published in 1991, have realised the full extent of London’s contribution in this field.

Pairs of “toys”, such as the pair of necessaires by John Barbot in the Metropolitan Museum of Art, New York (inv. no. 45.164.1a-z; fig. 7), or a pair of camels with musical watches in their howdahs, attributed to James Cox, seem to have not been unusual for those intended for the overseas markets in Russia and China (I. White, op. cit., fig. 7.39).

It therefore seems possible that the Hermitage inkstand and the present piece were intended as a pair, although it is not recorded how this piece might have left the Imperial collection.

Parce que chaque objet de la collection Qizilbash est exceptionnel, il convient de mentionner une ravissante reliure en émail et or représentant Orphée, d’une réalisation probablement hollandaise vers 1640 (estimation : 40.000 – 60.000 €). 

Because each work in the Qizilbash collection is exceptional, we should also mention a ravishing enamel and gold book cover with an illustration of Orpheus, probably made in the Netherlands c. 1640 (Est. €40,000-60,000).  

Lot 3. Reliure de livre en or émaillé, probablement hollandaise, vers 1640. Estimation : 40.000 – 60.000 €. Photo: Sotheby's.

peint en sépia monochrome sur fond blanc, avec sur le côté droit une représentation d’Orphée charmant les animaux en jouant de la harpe, le côté gauche représente Léandre secouru par les Néréïdes avec Neptune dans le fond et des amours surmontés de guirlandes de fleurs, séparé par le dos peint de tulipes et de feuillages, le côté intérieur droit figure Dédale volant tandis qu’Icare entame sa chute, s’étant approché trop près du soleil, le côté intérieur gauche représente Enée portant son père Anchise lors de la chute de Troie accompagné de son fils Ascagne, de part et d’autre du dos articulé; le fermoir est en émail de couleur avec une représentation d’un couple marchant. Non poinçonnée. larg. fermé 5,2 cm; ouvert 10,5 cm, haut. 3,7 cm.

Lot 3. An enamelled gold book cover, probably dutch, circa 1640. Estimate : 40.000 – 60.000 €. Photo: Sotheby's

painted in monochrome sepia on a white ground with, on the outside right hand side, Orpheus charming the animals by his playing the harp, on the left hand inside, Leander is rescued by nereids, with Neptune in the background, and amorini with garlands of flowers above, divided by the spine painted with tulips and foliage, the clasp enamelled with flowers, on the right hand inside, Daedalus flies with his wings while his son, Icarus, falls from the sky having flown too close to the sun, on the left hand inside, Aeneas carries his father Anchises accompanied by his son Ascanius from the burning city of Troy, either side of a plain gold spine, the clasp is enamelled in colours with a couple taking a walk, unmarked. Width: Closed, 5.2 cm; Open, 10.5 cm Height: 3.7 cm

Note: Cette reliure en or émaillé extrêmement rare et délicate, au thème classique et destinée à contenir un texte écrit, a traversé les siècles en continuant àéveiller l’intérêt des esthètes et des érudits.

L’image d’Orphée provient d’une gravure de Johann Wilhelm Baur (1609-1640) illustrant les Métamorphoses d’Ovide, livre 10 (plaque 92), publié pour la première fois après 1639 (fig. 1). La scène de Léandre et des Néreïdes est tirée d’une impression de Reinier van Persijn (1615-1668) d’après une toile de Joachim von Sandrart datée aux alentours de 1637 et dédicacée à Pieter Spiering Silvacrona (décédé en 1652) (British Museum, inv. no. 2000. 0521.45; fig. 2). Celle illustrant Dédale et Icare provient, quant à elle, de la plaque 75 du livre 8 de la série d’illustrations par Baur des Métamorphoses d’Ovide à laquelle nous faisions référence plus haut mais en contre-épreuve (fig. 3). Il existe de nombreuses gravures d’Enée portant son père Anchise, son fils Ascagne marchant derrière lui et portant le Palladion. Ces dernières dérivent de la représentation de Raphaël, l’Incendie du bourg, parfois attribuée à Giulio Romano, datant de 1514 au Vatican. A nouveau, la source semble être une composition très similaire de Johann Wilhelm Baur provenant du livre 13 (plaque 126) de ses illustrations des Métamorphoses d’Ovide (fig. 4).

Reinier van Persijn, d’après Joachim von Sandrart, Léandre et les Néréïdes, vers 1637, Londres, © British Museum (inv. no. 2000.0521.45).

Johann Wilhelm Baur (1609-1640), Les Métamorphoses d’Ovide, livre 10, planche 92, “Orphée”, Burlington, Université du Vermont.

Johann Wilhelm Baur (1609-1640), Les Métamorphoses d’Ovide, livre 13, planche 126, “Enée, Anchise et Ascagne”, Burlington, Université du Vermont.

Johann Wilhelm Baur (1609-1640), Les Métamorphoses d’Ovide, Livre 8, planche 75, “Dédale et Icare” Burlington, Université du Vermont.

Dans la mesure où les estampes circulaient beaucoup en Europe, ells n’indiquent pas nécessairement le lieu d’origine de la décoration de l’émail mais elles fournissent en revanche une date avant laquelle il est peu probable que le décor ait été peint. Ainsi une datation aux alentours de 1640, à laquelle les gravures ci-dessus furent imprimées pour la première fois et étaient très populaires, semble très plausible. La représentation de tulipes au dos de la reliure viendrait confirmer cette date et indiquer les Pays-Bas comme un probable lieu de création. Toutefois, la représentation polychrome d’un couple marchant à l’intérieur du fermoir semble étrangère aux scènes mythologiques monochromes qui ornent le reste de la reliure et pourrait suggérer un artiste allemand venant d’Augsbourg ou peut être encore un émailleur allemand venu travailler en Hollande autour de 1640. Il est évident que les émailleurs allemands privilégiaient les émaux aux couleurs polychromes plutôt qu’en grisaille (U. Weinhold, op. cit., 2000). En effet, le docteur Weinhold cite un seul exemple de peinture en grisaille sur une coupe, conservée au Rijksmuseum à Amsterdam (inv. no. BK-17095), portant la marque de l’orfèvre Georg Lotter d’Augsbourg, mais associée à une décoration polychrome etant donne que cette reliure est en grisaille, ceci confirme une origine Hollandaise.

Enfin le dos en émaillé de cette ravissante couverture de livre s’orne d’un dessin de tulipe. Les tulipes et la « tulipe mania » souvent associées à la Hollande ont atteint des sommets dans ce pays dans les années 1630.

Pendant des siècles, les couvertures de livres ont servi de protection aux pages imprimées à grand coût ou réalisées à la main, mais également d’hommages décoratifs à leur patrimoine culturel. Jusqu’au début du XIXème siècle, les livres et manuscrits étaient reliés à la main et ornés de matériaux tels que l’or, l’argent et les pierres précieuses.

Si les livres de prières étaient populaires dans les cours européennes au début du XVIIe siècle, seuls certains exemplaires isolés ont survécu. Deux exemples remarquables, probablement destinés à la royauté ou aux familles aristocratiques les plus importantes de l’époque, sont conservés dans l’un des plus prestigieux écrins en Europe, le Kunsthistorisches Museum de Vienne.

Le premier est un livre de prière en or émaillé de l’empereur Ferdinand II réalisé en 1590, probablement à Augsbourg (inv. no. D27; fig. 5). L’émail au décor polychrome de rinceaux est orné d’un cartouche central accueillant les initiales « M.A » pour MARIA sur le plat de dessus. Il fut offert à l’empereur par ses parents, l’archiduc Karl II d’Autriche and l’archiduchesse Maria, fille du duc Albrecht V de Bavière. Comme la reliure Qizilbash, il s’agit d’un très petit format, 6 cm par 4,8 cm. Le second exemple du Kunsthistorisches Museum en or emaillé, rubis et pierres dures est un peu plus grand et fut probablement réalisé en Allemagne (fig. 6). 

Livre de prière en or émaillé de l’empereur Ferdinand II, probablement Augsbourg, 1590, Vienne. © Kunsthistorisches Museum (inv. no. D27).

Livre de prière en or, rubis et pierres dures, probablement allemand, Vienne, © Kunsthistorisches Museum.

Ces précieuses reliures de livres étaient probablement déstinees a la famille royale ou aux familles aristocratiques les plus importantes de l’époque. La reliure de livre de la collection Qizilbash présentée ici est, de ce fait, une pièce exceptionnelle, étant presque entièrement émaillée en grisaille et dans un superbe état.

Note: This extremely fine and rare enamel and gold book cover with classical theme created to hold written text, transcends time in its appeal to both scholar and aesthete.

The image of Orpheus is taken from an engraving by Johann Wilhelm Baur (1609-1640), in Book 10, plate 92, of his illustrations to Ovid’s Metamorphoses, first published after 1639 (fig. 1). The scene of Leander and the nereids is taken from a print by Reinier van Persijn (1615-1668) after a painting by Joachim von Sandrart (d. 1652), dated about 1637, dedicated to Pieter Spiering Silvacrona (British Museum, inv. no. 2000. 0521.45; fig. 2). That illustrating Daedalus and Icarus is taken from Plate 75 in Book 8 from the series of Baur’s illustrations to Ovid’s Metamorphoses, referred to above, but in the opposite sense (fig. 3). There are many prints of Aeneas carrying his father, Anchises, beside his son Ascanius carrying the Palladium, which ultimately derive from Rapheal’s depiction of “L’incendio del Borgo” (1514), sometimes attributed to Giulio Romano, in the Vatican. Again the source appears to be a very similar composition by Johann Wilhelm Baur from Book 13, plate 126, of his illustrations to Ovid’s Metamorphoses (fig. 4).

Since prints were widely circulated in Europe, they do not necessarily indicate a place of origin for the enamel decoration but they do give a date before which the decoration is unlikely to have been painted. Thus a date of about 1640, when the prints referred to above were first published, and were extremely popular, seems to be very plausible. The decoration of the spine with tulips would support that date and indicate the Netherlands as a probable place of manufacture. The polychrome figures of a couple taking a walk depicted on the inside of the clasp and the monochrome mythological scenes on the rest of the book cover might suggest a German, Augsburg artist or enameller working in the Netherlands, around 1640. Whilst it is evident that German enamellers preferred polychrome colours in enamel rather than grisaille painting (see U. Weinhold, op.cit., 2000), Dr. Weinhold cites only one example of grisaille painting, on a cup in the Rijksmusuem, Amsterdam (inv. no. BK-17095), with the goldsmith’s mark of Georg Lotter of Augsburg, but this is combined with polychrome decoration. As the present book cover is mostly grisaille, this would further strengthen a Dutch origin.

Furthermore, the enamel spine of this exquisite book cover boasts a tulip design.

Tulips and "tulip mania" are generally associated with Holland and reached its peak in Holland in the 1630s.

For hundreds of years, book bindings served as a protective device for the expensively printed or hand-made pages, as well as a decorative tribute to their cultural authority. Up until the early nineteenth century, books and manuscripts were hand-bound and their cases were adorned with materials such as gold, silver and jewels.

Although miniature prayer books were popular at the European Courts at the beginning of the 17th century, only isolated examples have survived.

Two important examples are in one of the great treasuries of Europe, the Kunsthistorisches Museum, Vienna:

One is a small gold enamelled prayer book that belonged to Emperor Ferdinand II made in 1590, possibly in Augsburg, (inv. no. D27, fig. 5). It is enamelled in polychrome scrollwork with a central cartouche bearing the initials "M.A" for MARIA on the front cover. It was gifted to the Emperor by his parents, Archduke Karl II of Austria and Archduchess Maria, daughter of Duke Albrecht V of Bavaria.

As with the Qizilbash book cover, it is also of a very small size, 6cm by 4.8cm. The second example in the Kunsthistorisches Museum is slightly larger, made of enamelled gold, rubies and hardstones and also possibly made in Germany (fig. 6). These precious book covers were made for royalty and the foremost aristocratic families at the time.

The Qizilbash book cover here presented is therefore unique in that it is almost completely enamelled in grisaille and in its superb condition is an exceptional piece.

Deux statuettes d’Apollon et Vulcain par Abraham Drentwett II vers 1700-1705 (estimation : 60.000 – 80.000 €) illustrent à merveille le travail des meilleurs orfèvres au tournant des XVIIe et XVIIIe siècles, à l’instar de ce bassin et de son aiguière (estimation : 100.000 – 200.000 €) réalisés en argent et vermeil par le maître de l’orfèvrerie Marx Weinold à Augsbourg, vers 1697 - 1699. 

A pair of parcel-gilt silver figures of Apollo and Vulcan by Abraham Drentwett II c. 1700-1705 (Est. €60,000-80,000) marvellously illustrates the work of leading goldsmiths at the turn of the 17th and 18th centuries, like this parcel-gilt silver basin and ewer (Est. €100,000-200,000) by the master goldsmith Marx Weinold in Augsburg c. 1697-1699.  

Lot 1. Paire de statuettes en argent et vermeil représentant Apollon et Vulcain par Abraham Drentwett II, Augsbourg, vers 1700-1705. Estimation : 60.000 – 80.000 €. Photo: Sotheby's.

Chacune reposant sur une base triangulaire à pans coupés en vermeil ornée de chevrons, le haut orné d’une frise de godrons, chaque personnage en argent, Apollon vêtu d’une cape amovible en vermeil, jouant d’une lyre en vermeil, un cygne en argent à ses pieds, Vulcain vêtu d’une tunique et d’une coiffe en vermeil, portant un marteau et un bouclier en vermeil, un casque et une partie d’armure en vermeil à ses pieds, le bouclier orné d’un dragon volant. Quantité: 2 - Haut. 16,8 et 17,4cm. 

Lot 1. Paire de statuettes en argent et vermeil représentant Apollon et Vulcain par Abraham Drentwett II, Augsbourg, vers 1700-1705. Estimate : 60.000 – 80.000 €. Photo: Sotheby's.

 Each silver figure resting on a triangular gilt silver base with canted corners ornamented with chevrons, the top decorated with a frieze of gadroon, Apollo dressed in a removable gilt-silver cape, playing the gilt-silver lyre, a silver swan at his feet, Vulcan dressed in a silver-gilt tunic and headdress, carrying gilt silver hammer and shield, a gilt-silver helmet and part of an armour at his feet, the shield decorated with a flying dragon. Quantity: 2 - high; 6½ in., 6¾ in.

BIBLIOGRAPHIE: Helmut Seling, Die Augsburger Gold-und Silberschmiede 1529-1868, Munich, 2007, no. 1728 (r)

Literature: Helmut Seling, Die Augsburger Gold-und Silberschmiede 1529-1868, Munich, 2007, no. 1728 (r)

Note: Cette paire extrêmement rare de statuettes démontrant la maîtrise technique et artistique de l’orfèvre Abraham Drentwett II, faisait partie à l’origine d’un ensemble de six personnages. Ils étaient destinés àêtre regardés sous tous les angles soit indépendamment, soit dans le cadre d’un groupe disposé sur une table princiere où est dressé le couvert ou encore à l’intérieur d’une niche munie d’un miroir reflétant le dos de la pièce. Provenant de la collection du baron Karl von Rothschild à Francfort, deux autres statuettes du même ensemble, Jupiter et Minerve, font aujourd’hui partie de la collection Gilbert au Victoria and Albert Museum (Schroder, op.cit., cat no. 155, fig. 1) La localisation de Vénus et Mercure est inconnue (Schwarz, op.cit., S47, pp. 254-256). Des statuettes similaires d’Apollon et Vulcain figurent au Musée de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg (inv. no. E16913 et E16917; Schwarz, op. cit., S45, pp. 246-247).

Deux statuettes en argent partiellement doré de Jupiter et Minerve,  Abraham II Drentwett, Augsbourg, vers 1700-1705, Londres,  Collection Rosalinde and Arthur Gilbert en prêt au Victoria and Albert Museum.

 L’hypothèse qu’ils ne fussent pas toujours intégrés dans un meuble peut être déduite de la description d’un groupe similaire de trois personnages, vers 1695-1700, appartenant aux ducs de Hesse et décrit en 1727 comme Drei Ziervergulte Statueten auf vergulten Fuessen als einen silbern Herculis, Herculisca et la Vénus, (fig. 2). Cette Herculisca du groupe de Hesse représente en réalité Omphale portant les attributs virils d’Hercule, tandis qu’il tisse un fil sous la surveillance de Vénus, la déesse de l’Amour; il pourrait s’agiter d’un message sous-jacent sur le thème de la Wiebermacht (la puissance des femmes). 

Trois statuettes en argent d’Hercule, Omphale et Vénus, Abraham II Drentwett, Augsbourg, vers 1695-1700, Kassel, © Hessisches Landesmuseum (inv. nos. B II. 51, Hercule ; B II. 52,  Omphale ; B II. 53, Vénus)

Un certain nombre d’autres statuettes sur des bases rectangulaires, carrées ou triangulaires de l’époque Régence exécutées par Abraham Drentwett II sont répertoriées: une paire d’enfants représentant probablement Romulus et Rémus a été vendue par Sotheby’s à Londres, le 9 décembre 1976 lot 80 (fig. 3); deux autres statuettes de taille importante représentant Jupiter et Minerve sont conserves à la Voûte Verte de Dresde (Silber und Gold II, no. 44; fig. 4) un groupe de dixsept statuettes est mentionné dans les écrits de Helmut Seling au château de Dessau; une statuette de Diane avec un cerf et un chien, ayant appartenu à Lord Tweedmouth (1820-1894), a été vendue par Christie’s à Genève, le 18 novembre 1981 (lot 192), fig. 5.

 Deux statuettes en argent de Jupiter et Minerve : Minerve par Abraham I Drentwett, Augsbourg, vers 1650 ; Jupiter par Abraham II Drentwett (Jupiter), Augsbourg, fin du XVIIe siècle, Dresde, © Staatliche Kunstsammlungen, Grünes Gewölbe (inv. nos. IV305 et IV22).

Paire de statuettes en argent partiellement doré de Romulus et Rémus, Abraham II Drentwett, Augsbourg, vers 1700, Sotheby’s Londres, 9 décembre 1976, lot 80.

Statuette en argent partiellement doré de Diane chasseresse,  Abraham II Drentwett, Augsbourg, vers 1680, Christie’s Genève, 18 novembre 1981, lot 192.

En ce qui concerne la paire ici présentée, dans la mythologie, Apollon rapporte à Vulcain l’infidélité de sa femme Vénus avec Mars, dieu de la Guerre. Vulcain est ici représenté mettant le pied sur un plastron d’armure et d’autres attributs guerriers, tandis que le message d’Apollon est au contraire associéà la douceur de la musique représentée par la lyre et le cygne. Des personnages richement dorés et légamment modelés comme ceux-ci étaient non seulement agréables à l’oeil mais aussi orteurs de messages tacites aisément compréhensibles par les commanditaires érudits à cette époque.

Abraham Drentwett II (1647-1729), un des orfèvres les plus réputés, a vu le jour dans une célèbre dynastie d’orfèvres d’Augsbourg créée par son arrière-grand-père Balduin (1545-1627), orfèvre médailleur. Sa mère, Jakobina Heuglin, mourut en 1776. Abraham suivit les traces de son père également prénommé Abraham (dans l’Église réformée à cette époque, il était courant d’hériter du prénom biblique de son père), chez qui il rentra en apprentissage dans la tradition de la sculpture italienne avant d’être reçu maître en 1675. Il devint l’un des plus grands orfèveres sculpteurs de son époque. La réputation de ses sculptures en argent, principalement destinées aux églises, semble avoir circulé très rapidement, bien qu’en même temps, il reçut quelques commandes extraordinaires de diverses cours princières.

Les meilleurs exemples que l’on puisse citer sont une paire de miroirs monumentaux, aujourd’hui au Kremlin à Moscou (Schwarz, op.cit. S36, pp. 223-228) et le lustre de la Residenz à Munich, vers 1700-1705 (Schwarz, op. cit., S52, pp. 266-267) également reproduit dans le catalogue d’exposition Quand Versailles... fig. 80. Ce dernier décrit comme « un manifeste des ambitions dynastiques » représente de grandes statues de putti soutenant des bougies sommant les armoiries de l’Électeur Palatin Johann Wilhelm (1658-1716) et de sa seconde épouse Anna Maria Luisa (1667-1743), seule fille et héritière du Grand-Duc de Toscane Côme III de Médicis; un autre miroir également à Munich, provenant du château de Mannheim (1706-1708), peut être mentionné (Schwarz, op. cit., S53, pp. 258-273) ainsi qu’une paire de vases pour l’Electeur de Saxe (Grünes Gewolbe Dresden, voir Silber und Gold, cat. no. 130).

A la fin de sa vie, Abraham II Drentwett s’intéressa au modelage de cire avec une grande dextérité; des exemples de cet art peuvent être trouvés au Stadtschloss de Berlin, au Musée Herzog Anton Ulrich, Brunswick, au château Friedenstein, Gotha (Schwarz, op. cit., W4, pp. 288-294; W5, pp. 294-298; W11, pp. 309-311) et dans plusieurs autres collections publiques et privées. Il dessina aussi des projets d’orfèvrerie pour des graveurs où l’on note une forte influence française, avec des scènes destinées àêtre gravées sur de l’argent (Schwarz, op. cit., pp. 111-190).

Note: This extremely rare pair of statuettes, which represent the astonishing virtuosity of Abraham II Drentwett, once formed part of a group of six figures. They were made to be viewed in the round and stand alone, as part of a group used to decorate a princely dining table, or in a mirrored niche on a plinth. Formerly in the collection of Baron Karl von Rothschild, Frankfurt, the companion figures of Jupiter and Minerva are now in the Gilbert Collection at the Victoria and Albert Museum (Schroder, op. cit., cat. no. 155; fig. 1). The present whereabouts of the figures of Venus and Mercury is unknown (Schwarz, op.cit. S47, pp. 254-256.).

Similar figures of Apollo and Vulcan are in the State Hermitage Museum, St Petersburg (inv. nos. E16913 and E16917); (Schwarz, op.cit. S45, pp. 246-247).

That they were not an integral part of a piece of furniture as has been suggested, can be inferred from a description of a comparative group of three, which belong to the Dukes of Hesse, and which in 1727 were described as Drei Ziervergulte Statueten auff vergulten Fuessen als einen silbern Herculis, Herculisca et Venus, fig. 2. This Herculisca in the Hesse group is in fact Omphale who carries Hercules’s manly attributes, while he conversely spins a thread watched by Venus the goddess of Love; a layered message on the theme of Wiebermacht (power of women). A few other free standing sculptures on Régence-decorated rectangular, square or tri-form bases by Abraham Drentwett II are recorded: A pair of babies probably representing Romulus and Remus were sold Sothebys London, 9 December, 1976 lot 80, fig. 3: two larger silver figures of Minerva and Jupiter at the Green Vaults Dresden (Silber und Gold II, no. 44; fig. 4), a group of 17 are recorded from literature by Helmut Seling at Schloss Dessau; a figure of Diana with stag and hound, formerly belonging to Lord Tweedmouth (1820- 1894), was sold Christies Geneva, 18 November 1981 lot 192 (fig. 5).

In relation to the present pair, in the ancient myth Apollo tells Vulcan of his wife Venus’s infidelity with Mars the god of war. Vulcan is here modelled treading on a breastplate and other war paraphernalia, while Apollo’s message is in contrast to the sweetness of his music represented by the Lyre and swan. Richly gilt and stylishly modelled figures such as these were not only visually pleasing but also included essential messages which would have been apparent to the educated patrons of the time.

Abraham II Drentwett (1647-1729), leading gold and silversmith, was born into a highly successful dynasty of goldsmiths founded by his great-grandfather Balduin (1545-1627), a medallist and goldsmith. His mother was Jakobina Heuglin (died 1676). He followed in the footsteps of his father, also Abraham (it was a common custom in the Protestant Church at that time to inherit your father’s Biblical first name), with whom he trained as an apprentice in the Italian tradition of sculpture, becoming one of the great goldsmith sculptors of his time. In 1675, he became a master goldsmith. His reputation for fine sculptural silver, much of it for churches, appears to have circulated quickly, although he received some astonishing commissions for many princely courts.

These are best exemplified by a pair of monumental mirror frames in the Kremlin, Moscow (Schwarz, op. cit., S36, pp. 223-228), the chandelier in the Munich Residenz (c. 1700-05, Schwarz, op. cit, S52, pp. 266-267), see also Exhibition Quand Versailles, fig. 80). The latter described as `un manifeste des ambitions dynastiques..’, includes large figures of babies supporting the candles above the massive coats of arms of Johann Wilhelm Elector Palatine (1658-1716) and his second wife Anna Maria Luisa (1667-1743) only daughter and eventual heiress of Cosimo III de Medici, Grand Duke of Tuscany, and another mirror also in Munich, formerly in the Castle at Mannheim (1706-08). (Schwarz, op. cit, S53, pp. 268-273) and a pair of vases for the Elector of Saxony (Green Vaults Dresden, See: Silber und Gold, cat. no. 130).

In later life Abraham II Drentwett turned to wax modelling with great dexterity and examples of this skill can be found in the Stadtschloss, Berlin, the Herzog Anton Ulrich Museum, Brunswick, in Schloss Friedenstein, Gotha, (Schwarz, op. cit, W4, pp. 288-294; W5, pp. 294-98; W11, pp. 309-311) and in several other public and private collections. He also supplied engravers with designs for silver, which have strong French influence, and with scenes intended to be engraved on silver. (Schwarz, op. cit., pp. 111-190).

Lot 2. Aiguière et son bassin en argent et vermeil par Marx Weinold, Augsbourg, vers 1697-1699. Estimation 100,000 — 200,000 €. Photo: Sotheby's.

le centre du grand bassin ovale estampé et repoussé d’une scène représentant un quadrige richement caparaçonné et conduit par un jeune homme, probablement Phaéton, escorté par un porteur de flambeau, un trompettiste et un laquais, dans les cieux, surplombant le char, un personnage tient une palme dans une main et une  couronne de laurier dans l’autre, le marli repoussé d’un décor de fruits et de feuillages rythmé par les allégories des quatre continents : en haut l’Europe, à gauche l’Amérique, à droite l’Afrique, et l’Asie en bas, l’aiguière de forme balustre au décor repoussé de rinceaux, de fruits et de feuillages, le couvercle en forme de  feuille, l’anse en volutes dorée. Quantité: 2 - L'aiguière 1,150 g., haut. de l'aiguière 40,2 cm, long. du bassin 79 cm 

Lot 2. A parcel-gilt silver ewer and basin, Marx Weinold (Weinet), Augsburg, circa 1697-1699. Estimate 100,000 — 200,000 €. Photo: Sotheby's.

the large oval basin embossed and chased in the centre with a scene of a richly caparisoned quadriga chariot driven by a young man, possibly Phaeton, escorted by a torch-bearer, trumpeter and groom, in the sky above the chariot, a figure carries a palm frond in one hand and a laurel wreath in the other. The border, which is chased with fruit and foliage, is divided by emblems of the four continents: at the top Europe, to the left America, to the right Africa, with Asia at the bottom. The shaped ovoid ewer is chased with further scrolls, fruit and foliage, with a leaf-shaped cover. The scrolled handle is gilt. Quantity: 2 - The ewer 1.150g (36 oz.); the ewer 40.2cm. high; the basin 79cm. wide; 1ft. 3¾in., 2ft. 7in.

Note: Cette magnifique aiguière et son bassin sont remarquables pour leur qualité d’exécution, leur taille impressionnante et le fait qu’il s’agisse du seul exemple connu où l’aiguière et le bassin nous sont parvenus ensemble. Bien que plusieurs bassins réalisés par Weinold comme cadeaux diplomatiques à la Russie sont toujours conservés dans les collections impériales du Kremlin à Moscou et de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg, aucun n’est associéà son aiguière.

La taille exceptionnelle du bassin, les références impériales et son atmosphere triomphante et victorieuse, suggèrent qu’il s’agissait d’un cadeau d’un prince à un autre, ou d’un cadeau diplomatique au moment de la victoire de la Sainte Ligue et le Traité de Karlowitz en janvier 1699, donnant à l’Autriche l’hégémonie sur l’Europe centrale et l’Europe de l’Est. Toutefois, on ne sait pas auprès de qui Mayer Carl Rothschild a acquis cette pièce.

Le bassin est d’une telle virtuosité qu’il fut recopiéà Hanau à la fin du XIXe siècle. Voir, par exemple, pour un bassin identique mais inversé, I. Schneider et E. Schmidbergen, op. cit., p. 115 (fig. 3).

Bassin en argent, Hanau, fin du XIXe siècle.

LA PROVENANCE ROTSCHILD

Cette aiguière et son bassin sont décrits dans la première partie des oeuvres d’art de Mayer Carl Rothschild répertoriées après sa mort, dans sa propriété de Gunthersburg près de Francfort comme :

N° 86 Grosse Schüssel und Kanne, silb.theilw.verg., in Mitte Triumphzug, an dem

Rand allegorische Darstellung der 4 Erdtheile. Durchmesser 79x69cm. Kanne mit

leichtem Rankenwerk. Deckel bildet Weinblatt. Höhe 41cm.

Réputée comme étant une des plus grandes collections d’oeuvres d’art comprenant les oeuvres d’orfèvres majeurs, la collection avait été répartie entre les cinq filles survivantes de Mayer, mais Margarethe Alexandrin avait été exclue de cette indivision, apparemment pour avoir épousé un catholique français (le 11e duc de Gramont). S’il est vrai que Mayer Carl était « opposé aux catholiques, opposéà un Français, opposéà un veuf, opposéà une fortune moyenne… exceptéà un Rothschild, il se serait opposéà tout homme vivant », sa plus jeune fille, Bertha Clara, qui a épousé Alexandre Berthier, futur 3ème prince de Wagram, semble avoir évité cette censure testamentaire en héritant d’une première partie comprenant cette aiguière et son bassin (citation de P. Glanville, op. cit., p. 41).

Certaines pièces de Mayer Carl ayant échu à Bertha Clara sont réapparues dans une vente aux enchères à Paris en 1911 à la mort de son mari. Bien que l’aiguière et le bassin n’étaient pas inclus dans cette vente, il est probable qu’Ole Olsen les ait achetés à cette époque, la collection Olsen étant une des plus importantes collections de la fin du XIXe siècle - début du XXe siècle. Le présent ensemble était cependant illustré dans le catalogue de la collection Olsen en 1924, planche 43, nos. 301-302, mais décrit dans un même lot, ceci étant une pratique courante à l’époque (fig. 4).

Ensemble comprenant notamment notre bassin et aiguière, collection d’Ole Olsen (1863-1943), 1924.

Un nombre de bassins de mêmes dimensions réalisés par cet orfèvre ont été envoyés comme cadeaux diplomatiques vers la Russie et demeurent dans les collections Imperiales au Kremlin à Moscou et l’Ermitage de Saint-Pétersbourg.

Un des bassins de l’Ermitage (fig. 5; inv. no. E 8071, voir Catalogue de l’exposition, Ori argenti dall’Ermitage, op. cit., no. 26.) représentant la déesse Minerve offrant la Peinture aux Arts, accompagnée par un groupe de quatre empereurs sur le marli, est probablement un cadeau de Charles XII de Suède à Pierre le Grand en 1699. En outre, l’utilisation par Weinold de décors feuillagés, comme sur le couvercle de notre aiguière, est particulièrement visible sur la Coupe des trois forgerons du legs Waddesdon au British Museum, (Tait, op.cit., pp. 289- 292, no. 54). « L’éclat du plat de Minerve partiellement doré» est mentionné en comparaison par Hugh Tait (l’ancien Deputy Keeper du département des Antiquités médiévales et Renaissance au British Museum). Le talent de modeleur de Weinold est particulièrement évident dans le jeune coq héraldique des familles Blarer/Escher du Schweizerisches Landesmuseum à Zurich (fig. 6). De la même façon, la Coupe des trois forgerons du British Museum (fig. 7) est décrite par Hugh Tait comme « une coupe sur pied très impressionnante à la dernière mode et de la meilleure qualité… » sa qualité sculpturale spectaculaire correspond exactement à ce qui était attend d’une pièce destinée àêtre présentée lors de cérémonies fastueuses. Enfin, une aiguière semblable, mais sans son bassin, est conservée au Badisches Landesmueum de Karlsruhe (fig. 8; Badisches ..., op. cit., p. 137).

Bassin en argent partiellement doré, Marx Weinold, Augsbourg, circa 1690, Saint-Pétersbourg, Musée de l’Ermitage (inv. no. E 8071). © The State Hermitage Museum.

Coq héraldique de la famille Blarer von Wartensee, Zürich, Schweizerisches Landesmuseum. © Schweizerisches Landesmuseum Zürich

Coupe des trois forgerons, Marx Weinold, Augsbourg, vers 1690, Londres, British Museum (inv. no. WB.127). © The British Museum.

Note: This magnificent ewer and basin are remarkable for their quality, their impressive size and the fact that this is the only known example where both ewer and basin have survived together. Whilst several basins by Weinold made as diplomatic gifts to Russia have survived in the imperial collections at the Kremlin, Moscow and the Hermitage, St. Petersburg, none have their ewers.

The exceptional size of the basin, the imperial allusions and its triumphant and victorious tone, imply that it was a gift from one prince to another, or it may have been a diplomatic gift perhaps at the time of the Victory of the Holy League and the Treaty of Karlowitz in January 1699, which left Austria the foremost power in Central and South Eastern Europe. However, it is not known from whom Mayer Carl Rothschild acquired the pieces. The dish was so impressive and skilfully made that it was copied in Hanau at the end of the 19th century. See, for example, an identical but inverted basin, illustrated in I. Schneider and E. Schmidberger, op. cit., no. 27, p. 115 (fig. 3).

THE ROTHSCHILD PROVENANCE

This ewer and basin are described in the first portion of Mayer Carl Rothschild’s

works of art, recorded after his death, at his property of Gunthersburg near Frankfurt as:

86 Grosse Schüssel und Kanne, silb.theilw.verg., in Mitte Triumphzug, an dem

Rand allegorische Darstellung der 4 Erdtheile. Durchmesser 79x69cm. Kanne mit

leichtem Rankenwerk. Deckel bildet Weinblatt. Höhe 41cm.

Known as one of the greatest collections of works of art by major gold and silversmiths, the Mayer Carl Rothschild collection was divided into portions (theil) for five of Mayer Carl’s surviving daughters. One of the daughters, Margarethe Alexandrine was excluded, ostensibly for marrying a French Catholic (the 11th duc de Gramont). While it may have been true of Mayer Carl, that “he objects to Catholics, he objects to a Frenchman, he objects to a widower, he objects to a moderate fortune…excepting a Rothschild, he would object to any living man”, the youngest, Bertha Clara, who married Alexandre Berthier, later 3rd prince de Wagram, appears to have avoided this testamentary censure as she inherited the first portion which included this ewer and basin (quotation from P. Glanville, op. cit., p. 41).

Items from Mayer Carl’s bequest to Bertha Clara appeared for auction in Paris in 1911 on the death of her husband, and although the ewer and basin did not appear in that auction it seems likely that Ole Olsen purchased it at about this time, the Olsen Collection being one of the most important Collections of the late nineteenth/early twentieth centuries. The present ewer and basin were however illustrated in the Olsen Collection catalogue of 1924, plate 43, as lots 301 and 302 respectively, but described as belonging together, this type of entry being a common practice at the time (fig. 4).

A number of basins by this goldsmith of similar size were made as diplomatic gifts to Russia and have survived in the imperial collections at the Kremlin, Moscow and the Hermitage, St. Petersburg. One of the basins in the Hermitage (fig. 5; inv. no. E 8071, see Ori argenti dall’Ermitage, op. cit., no 26.), illustrates the goddess Minerva presenting Painting to the Arts, sanctioned by a quartet of emperors at the rim, is thought to have been a gift in 1699 from Charles XII of Sweden to Peter the Great. Furthermore, Weinold’s use of foliate decoration, as on the cover of the present ewer, is best exemplified by the Three Smiths Cup in the Waddesdon Bequest at the British Museum. (Tait, op. cit., pp. 289-292, no. 54). The “brilliance of the parcel-gilt Minerva dish” is cited by Hugh Tait (former Deputy Keeper of Medieval and Later Antiquities at the British Museum). Weinold’s ability as a modeller is evident from the heraldic cockerel of the Blarer/Escher families in the Schweizerisches Landesmuseum, Zurich (fig.6). Similarly the Three Smith’s cup in the British museum (fig. 7) is described by Tait as “a most impressive standing cup in the latest taste and the finest quality…its spectacular sculptural quality is exactly what was required of plate that was intended for display on ceremonial occasions”. Finally a ewer, similar but lacking its basin, is in the Badisches Landesmuseum, Karlsruhe, see Prestel Museums Führer, 2000, p. 137 (fig. 8).

Enfin, notons une superbe paire de panneaux en pierres dures attestant de la virtuosité technique atteinte par les ateliers des Grands-Ducaux florentins à la fin du XVIIe siècle (estimation : 70.000 – 100.000 €). 

Lastly, we find a pair of pietre dure marquetry panels illustrating the technical virtuosity achieved by the Grand Ducal workshops in Florence in the early 18th century (Est. €70,000-100,000). 

 Lot 7. Paire de panneaux en marqueterie de pierres dures italiennes, Florence, Ateliers Grand-Ducaux, fin du XVIIe-début du XVIIIe siècles. Estimation : 70.000 – 100.000 €. Photo: Sotheby's. 

en marqueterie de lapis-lazuli, albâtre, agate, calcédoine, brèche d’Afrique, marbre vert antique l’un figurant un paysage avec une ferme au bord d’un lac et des bergers et leur chien au premier plan ; l’autre un bord de mer aux barques et bateaux, des pêcheurs au premier plan et un village surplombant une falaise à la gauche de l’arrière-plan ; chaque scène dans un encadrement en marbre noir postérieur ; une ancienne étiquette au dos de l’un des panneaux inscrite … GUINNESS… Quantité: 2 - Haut. 37 cm, long. 61,5 cm.

  Lot 7. A pair of Italian pietre dure marquetry panels, Florence, grand ducal workshops, late 17th-early 18th century. Estimation : 70.000 – 100.000 €. Photo: Sotheby's.

each panel inlaid with pietre dure, lapis lazuli, alabaster, agate, africano, breccia, verde antico, one panel depicting a landscape with a house by a lake with shepherds, the other depicting a seascape with fishermen and boats with cliffs and a village to the left of the image, both scenes within later black marble borders, one of the panels reported to have a paper label to the reverse inscribed ‘...GUINNESS....’. Quantity: 2 - 37cm. high, 61.5cm. wide; 1ft. 2½in., 2ft.¼in.