Dish, Vijaya period, probably 13th-14th century, Central Vietnam, Bình Định province. Stoneware with pale celadon glaze. H x W: 3.2 × 13.3 cm (1 1/4 × 5 1/4 in). Gift of Jack H. Kent, Freer Study Collection, FSC-P-3642 © 2017 Smithsonian Institution

Bowl, Vijaya period, 13th-14th century, Central Vietnam, Bình Định province. Stoneware with celadon glaze. H x Diam (overall): 5.1 x 14.8 cm (2 x 5 13/16 in). Gift of Osborne and Gratia Hauge, and Victor and Takako Hauge. Arthur M. Sackler Gallery, S2005.119 © 2017 Smithsonian Institution

 Hsu Kuo-huang. Seeking the Way in a Spring Mountain, (detail). China, 2016. Ink and color wash on paper, hanging scroll. © M. Sutherland Fine Art.

NEW YORK, NY.- When Asia Week New York launches its ten-day extravaganza, on March 9, many of the top-tier galleries will showcase contemporary work alongside classical objects, while others will be devoted solely to present-day works of art. 

Among the stand-outs: 

Stronger Together: Two Western Artists Who Embraced the Chinese Idiom at China 2000 Fine Art, focuses on two important western artists, Roy Lichtenstein and Robert Rauschenberg, both of whom created their final projects by re-examining an earlier fascination with Chinese artistic expression and translating this affinity into their own unique idioms. 

 Roy Lichtenstein (1923-1997). Landscape with Poet. USA, 1996. 16-color Lithograph and Screenprint in 19 runs, Edition: 60 plus 12 AP plus 6 SP. 90.5 x 36.125 inches (229.9 x 91.8 cm). © China 2000 Fine Art (New York, NY)

Robert Rauschenberg (1925-2008). Lotus V (The Lotus Series). USA, 2008. Pigment inkjet print with photogravure in colors, on Somerset paper, numbered 38/50 (en verso). 44.25 x 59.75 inches (112.3 x 151.7 cm) © China 2000 Fine Art (New York, NY)

Dirck Hals (1591-1656), Études d’un homme assis, fumant la pipe, et de deux jambes, 1622-1627. Pinceau et encre brune, peinture brune, rehauts de gouache blanche, sur une esquisse à la pierre noire, 277 x 178 mm © Rijksmuseum, Amsterdam, inv. RP-T-1965-180

PARIS - Pour la première fois après quatre siècles de séparation, sont réunis des tableaux des plus grands artistes hollandais du Siècle d’Or avec leurs dessins préparatoires. Après son succès à la National Gallery of Art de Washington pendant l’automne 2016, la Fondation Custodia est heureuse de présenter à Paris vingt-et-une peintures et une centaine de dessins, au nombre desquels deux rares carnets d’esquisses et un exceptionnel album offrant une immersion dans les ateliers du XVIIe siècle.

L’exposition dévoile le fruit des années de recherche de plusieurs spécialistes, qui se sont penchés sur la façon dont les artistes néerlandais utilisaient le dessin dans leur processus pictural. Sur les quelques milliers de dessins ayant traversé les siècles jusqu’à nous, ils ont réussi à en mettre certains en rapport avec une peinture identifiée. L’exposition bénéficie de prêts de nombre des plus grands musées et cabinets d’arts graphiques du monde. Aux côtés des œuvres de la Fondation Custodia et de la National Gallery of Art de Washington, on peut voir entre autres des peintures et des dessins du Metropolitan Museum of Art de New York, du Fogg Art Museum de Boston, du Rijksmuseum d’Amsterdam, de l’Albertina Museum de Vienne, de l’Ashmolean Museum d’Oxford, du British Museum de Londres, de la Gemäldegalerie ou encore du Kupferstichkabinett de Berlin. 

Cornelis Bega (1631/32–1664), L’Alchimiste, 1663. Huile sur toile, marouflée sur panneau, 35 x 28,6 cm © National Gallery of Art, Washington, don de Mme Martin Wunsch provenant de la Collection Ethel et Martin Wunsch, inv. 2013.34.1

Cornelis Bega (1631/32–1664), L’Alchimiste, vers 1663. Pierre noire et rehauts blancs, sur papier bleu, 173 x 142 mm © Musée Mayer van den Bergh, Anvers, inv. mmb.1049 

Une section introductive illustre la pratique du dessin des peintres hollandais au XVIIe siècle. Avec leurs études esquissées d’après des modèles, leurs croquis exécutés dans la nature – capturant paysages, arbres et bâtisses pittoresques, animaux… –, leurs études de mains, de bras, de têtes… les artistes se constituaient un répertoire de motifs dans lequel ils pouvaient puiser à loisir pour créer leurs tableaux. 

Cette plongée dans les coulisses des ateliers permet de comprendre les méthodes de création d’une quarantaine des plus grands peintres hollandais et de passer en revue tous les genres picturaux : de la nature morte aux marines, des intérieurs d’églises aux scènes mythologiques et bibliques.  

Si Rembrandt (1606-1669) fut un formidable dessinateur, on connaît très peu de feuilles directement préparatoires pour ses tableaux. L’un de ces très rares exemples est cependant présent dans l’exposition : pour la composition complexe de son Saint Jean-Baptiste prêchant, le maître hollandais a étudié dans différents dessins le personnage central et la foule assemblée pour écouter le saint. On peut suivre l’artiste dans sa recherche d’une posture, d’une expression ou du détail d’un costume. 

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669), Saint Jean-Baptiste prêchant, 1634-1635. Huile sur toile marouflée sur panneau, 63 x 81,3 cm © Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie, inv. 828 k

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669), Études de scribes pour le Saint Jean-Baptiste prêchant. Plume et encre brune, 167 x 195 mm © Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, inv. kdz 3773

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669), Personnages de l’auditoire pour le Saint Jean-Baptiste prêchant. Plume et encre brune, lavis brun, quelques rehauts de blanc opaque, 189 x 125 mm © Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, inv. kdz 5243

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606–1669), Deux études de saint Jean pour le Saint Jean-Baptiste prêchant. Sanguine, 176 x 186 mm © Courtauld Gallery, Collection Seilern, Londres, inv. d 1978pg.182 

Scènes de genre et portraits jalonnent le parcours de l’exposition. Le public peut notamment admirer les études de compositions d’Adriaen van Ostade (1610-1685) qui les multipliait et détaillait ensuite certaines de ses figures dans des dessins à la pierre noire dont plusieurs exemples sont exposés. 

Adriaen van Ostade (1610–1685), Paysans dansant dans une taverne, 1659. Huile sur panneau, 44,1 x 60,3 cm © Saint Louis Art Museum, Saint Louis, Fonds des Amis du musée, inv. 147.1966

Adriaen van Ostade (1610–1685), Homme dansant, vers 1659. Pierre noire et craie blanche sur papier beige, 144 x 75 mm © Rijksmuseum, Amsterdam, acquis grâce au support du Fonds F. G. Waller, de la Belport Familienstiftung et à une contribution du Legs de J. A. Z. comte de Regteren Limpurg, inv. RP−T−1981−237

Adriaen van Ostade (1610–1685), Paysans dansant, vers 1659. Pierre noire, plume et encre brune, 132 x 267 mm © Hamburger Kunsthalle, Hambourg, inv. 22304

Après les « reportages » de batailles en mer et « portraits » de navires des célèbres peintres de marines Willem van de Velde père et fils, le visiteur pourra se pencher sur les méthodes de création de plusieurs des meilleurs paysagistes hollandais. La vue plongeante sur Amsterdam que Jacob van Ruisdael (1628/29-1682) réalisa sans aucun doute sur le motif, depuis les échafaudages d’un bâtiment en construction, a été le point de départ d’un remarquable tableau. La feuille, quoique de facture très enlevée, fournit d’infinis détails pour la description de la ville au premier plan, tandis que Ruisdael extrapole la moitié supérieure avec un ciel nuageux dont il avait le secret.

Jacob van Ruisdael (1628/29–1682), Panorama d’Amsterdam, du port et de l’IJ, vers 1665-1670. Huile sur toile, 41,5 x 40,7 cm © Collection particulière, Angleterre, en prêt à la National Gallery, Londres, inv. l1052

Jacob van Ruisdael (1628/29–1682), Vue sur Amsterdam et l’IJ, vers 1665. Pierre noire et lavis gris, 86 x 152 mm © Rijksmuseum, Amsterdam, inv. RP-T-1960-116 

L’exposition et le catalogue sont le résultat d’une étroite collaboration d’un groupe international de spécialistes, sous la houlette de Ger Luijten, directeur de la Fondation Custodia, Peter Schatborn, ancien directeur du Cabinet d’arts graphiques du Rijksmuseum, Amsterdam, et Arthur K. Wheelock Jr., conservateur des peintures nordiques à la National Gallery of Art, Washington. Le catalogue, disponible en français et en anglais, constitue la première étude sur le sujet et offre un panorama complet du XVIIe siècle hollandais. 

du 4 février au 7 mai 2017 

Pieter Saenredam (1597–1665), Le Chœur de l’église Saint-Bavon à Haarlem, 1636. Huile sur panneau, 49 x 36,6 cm © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris, inv. 396 

Pieter Saenredam (1597–1665), Le Chœur de l’église Saint-Bavon à Haarlem, 1636. Plume et encre brune, encre grise à la pointe du pinceau, lavis gris, 480 x 370 mm © Noord-Hollands Archief, Kennemer Atlas, Haarlem, inv. 53−001702 g

Balthasar van der Ast (1593/94–1657), Nature morte de fleurs, vers 1630. Huile sur panneau, 37,2 x 24,5 cm © Collection Eijk et Rose-Marie de Mol van Otterloo 

Balthasar van der Ast (1593/94–1657), Étude d’une tulipe (Amiral Pottebacker) et d’une mouche, 1620-1630. Gouache, aquarelle et tempera, 313 x 202 mm © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris, inv. 6534/42

Cornelis Saftleven (1607–1681) et Herman Saftleven (vers 1609−1685), Chasseur endormi dans un paysage, 1642 ou légèrement postérieur. Huile sur panneau, 36,8 x 52 cm © Collection Maida et George Abrams, Boston 

Cornelis Saftleven (1607–1681), Chasseur endormi, 1642. Pierre noire et lavis gris, 169 x 238 mm © Collection Maida et George Abrams, Boston

Aelbert Cuyp (1620–1691), Paysage avec des bergers, vers 1650-1652. Huile sur panneau, 48 x 82,5 cm © National Gallery of Art, Collection Corcoran (Collection William A. Clark), Washington, inv. 2014.79.707 

Aelbert Cuyp (1620–1691), Calcar, avec Monterberg dans le lointain, début des années 1640. Pierre noire, lavis gris et aquarelle verte et ocre, partiellement recouvert de gomme arabique, 185 x 495 mm © The Metropolitan Museum of Art, New York, provenant de la Collection Rita et Frits Markus, legs de Rita Markus, 2005, inv. 2005.330.4

 Aelbert Cuyp (1620–1691), Études d’une vache et d’un cheval, vers 1650. Pierre noire, graphite et lavis gris, 84 x 125 mm © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris, inv. 458 

Torii Kotondo, Beauty Combing her Hair, 1933 © The Art of Japan

Suzuki Harunobu, Ofuji Visiting Osen at the Kagi-ya Teashop, Japan, 1769-70. Woodblock Print. 11 x 8.5 in. © The Art of Japan

Somenosuke of the Matsuba-ya with her kamuro Wakaki and Wakaba. From the Seiro Moyo Awase series (Contest of Designs in the Yoshiwara). 1796-97. Woodblock Print. 15.5 x 10.375 in.© The Art of Japan

Fuji River Snow Gorge. 1832. Woodblock print. 14.75 x 9.875 in. © The Art of Japan

The Art of Japan. Fine Japanese Prints and Paintings from 1750–1950, 10-13 march 2017 at The Mark Hotel, Madison Avenue and 77th Street, Suite 215, New York 10075 - T (206) 859 9940 or (206) 369 2139 - info@theartofjapan.com - theartofjapan.com

BachmannEckenstein JapaneseArt (Basel, Switzerland), Japanese Art | Pre-modern and Beyond, 10-15 march 2015 at Gallery Schlesinger, 24 East 73rd Street, 2nd Floor, New York 10021 - T (212) 734 3600 - M +41 76 341 1335 -email@bachmanneckenstein.com - bachmanneckenstein.com 

Buddha Shakyamuni. Copper alloy with remains of mercury and lacquer gilding; China, Tibeto-Chinese style, Yuan, early 14th century. Height: 23.8 cm (9.37 in)© Dr. Robert R. Bigler

Buddha Shakyamuni. China, Yuan Dynasty, ca. 1300. Mercury gilt copper alloy. Height: 23.5 cm © Dr. Robert R. Bigler

Green Tara. Mercury gilt copper alloy with glass inlays. China, Tibeto-Chinese style, Yuan Period (1271-1368). Height: 14.2 cm. © Dr. Robert R. Bigler 

Set of Vajra and Ghanta. Mercury gilt copper alloy. China, Tibeto-Chinese style, Ming, ca. mid-15th century. Height (Ghanta): 23 cm, Length (Vajra): 17.8 cm. © Dr. Robert R. Bigler

Dr. Robert R. Bigler (Zürich, Switzerland)

La Quête de la ligne : Affiche

PARIS - Parallèlement à l’exposition du premier étage, la Fondation Custodia accueille au sous-sol de l’hôtel Lévis-Mirepoix l’importante collection de dessins de l’historien de l’art Hinrich Sieveking. Après sa présentation à la Kunsthalle de Hambourg à l’automne 2016, le public peut admirer pour la toute première fois en France plus de cent feuilles retraçant l’histoire du dessin en Allemagne, du début du XVIIe siècle jusqu’à la fin du XIXe siècle. 

Hinrich Sieveking, historien de l’art allemand et spécialiste de l’époque de Goethe, est avant tout un collectionneur. Il s’adonne dès son plus jeune âge à cette passion en s’orientant progressivement vers le dessin. Dans un premier temps, Sieveking se laisse guider par ses coups de cœur et achète des œuvres des écoles italienne, française, flamande, hollandaise et allemande (l’exposition montre à la fin du parcours une petite sélection de ces feuilles de diverses écoles). Au fur et à mesure de l’accroissement de sa collection, il s’intéresse de plus en plus à la relation entre les différents dessins et le contexte de leur création. Il décide alors de recentrer sa collection sur l’évolution du dessin en Allemagne. La Fondation Custodia présente ainsi le fruit de ces années de recherches et d’acquisitions.

L’exposition s’articule autour de trois périodes importantes pour l’art du dessin allemand : la période maniériste autour de 1600, le baroque et l’art de l’époque de Goethe.

Gustav Heinrich Naeke (1786-1835), Portrait en profil de l’artiste Heinrich Reinhold (1788-1825). Graphite, 146 x 94 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

La période maniériste
La visite commence avec des dessins exécutés autour de 1600 dans les grands centres artistiques d’Europe centrale : Prague, Augsbourg et Munich. On peut notamment admirer les magnifiques feuilles de la main des artistes maniéristes Pietro Candido (vers 1548-1628), Friedrich Sustris (vers 1540-1599), Matthäus Gundelach (vers 1566-1653) et Hans Rottenhammer (1564-1625). La très belle étude de Candido, Esquisses de garçons jouant des instruments de musique, fut acquise par le collectionneur en 1979 alors qu’elle était attribuée à Bernardino Poccetti. Hinrich Sieveking sut toutefois y reconnaître la main de Candido, artiste néà Bruges sous le nom de Pieter de Witte, qui comptait en son temps parmi les peintres majeurs en Allemagne. 

Pietro Candido (vers 1548-1628), Esquisses de garçons jouant des instruments de musique. Pierre noire et fusain, plume et encre noire, rehauts de blanc, sur papier ocre, 195 x 310 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Le baroque
La visite se poursuit avec des dessins baroques, notamment de l’Allemagne du Sud, avec des œuvres de Johann Georg Bergmüller (1688-1762) et de Johann Wolfgang Baumgartner (1702-1761). De ce dernier, la très grande feuille, L’Elément Feu, est particulièrement impressionnante. On y voit Saint Florian, invoqué contre le feu, au-dessus d’une ville en flammes, dans une composition agrémentée de décors architecturaux d’inspiration rocaille. 

Johann Wolfgang Baumgartner (1702-1761), Saint Florian et l’élément « Feu », vers 1750. Plume et pinceau à l’encre grise et noire, rehauts de blanc, 475 x 694 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

L’art de l’époque de Goethe
La plupart des œuvres exposées datent de l’époque de Goethe (1770-1830), âge d’or du romantisme allemand. Le dessin occupe alors une place éminente dans le domaine des beaux-arts. Un florilège de feuilles, parmi lesquelles de nombreuses aquarelles, montre la richesse artistique et thématique de cette période, à travers des paysages, des scènes historiques et des portraits.

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829) et Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), deux artistes chers au collectionneur, sont particulièrement bien représentés dans l’exposition. Arrivéà Rome en 1818, Schnorr rejoignit les Nazaréens, dont il était l’un des plus illustres membres. Ce mouvement artistique avait pour ambition de renouveler la peinture religieuse en s’inspirant de l’art allemand et italien des XVe et XVIe siècles.

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829), Illustration pour « Le Roman de Renart » : Renart conduit au gibet; Aquarelle, plume et encre noire, 240 x 380 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Le renouveau de l’art du paysage à cette époque est reflété notamment par les œuvres d’Albert Venus (1842-1871). Son aquarelle Vue du Tibre près du Ponte Molle, Campagna Romana offre au visiteur la vue d’une lumière cristalline d’une journée d’hiver ensoleillée au bord du Tibre près de Rome.

Albert Venus (1842-1871), Vue du Tibre près du Ponte Molle, Campagna Romana, 1866; Aquarelle sur un tracé au graphite et à la pierre noire, 256 x 417 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Mentionnons que l’exposition montre également l’intérêt du collectionneur pour les artistes de Hambourg. Y figure par exemple la magnifique feuille, tout en délicatesse, de Philipp Otto Runge (1777-1810), Deux épis de blés.

Philipp Otto Runge (1777-1810), Deux épis de blé, vers 1808. Plume et encre noire, 293 x 234 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

L’exposition est accompagnée d’un catalogue en allemand rédigé sous la direction de Peter Prange et Andreas Stolzenburg, chef du département des arts graphiques de la Hamburger Kunsthalle. Réalisé avec le soutien de 36 spécialistes, il contient également un entretien avec le collectionneur Hinrich Sieveking mené par Gina Thomas.

du 4 février au 7 mai 2017 

Philipp Otto Runge (1777-1810), Le Triomphe de l’Amour, 1800. Plume, pinceau et encre grise, 265 x 396 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), La Fuite de Jacob, 1829. Plume et encre brune sur une esquisse à la sanguine sur vélin, 220 x 258 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Julius Schnorr von Carolsfeld (1794-1872), Étude d’une jeune femme se penchant en avant, vers 1820. Graphite, rehauts de blanc, sur papier gris-vert, 326 x 443 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Erwin Speckter (1806-1835), Bernhard Neher et Erwin Speckter dans leur atelier à Rome, 1831. Aquarelle sur un tracé au graphite, 192 x 249 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Carl Julius Milde (1803-1875), Figure féminine dans des rinceaux de style pompéien. Aquarelle, 219 x 268 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Ernst Ferdinand Oehme (1797-1855), Paysage fluvial au matin, 1840. Aquarelle, 140 x 204 mm © Collection particulière / Photo : Johannes von Mallinckrodt, Londres

Emperor Jahangir with two women. Ascribed to Usta Hasan al-Din, Bikaner, India, c. 1680-90. Opaque watercolour and gold on paper, 20.5 x 12.5 cm. © Prahlad Bubbar

Krishna dances on the bank of a river to musical accompaniment. Northern Deccan or Kishngarh, India, 1700-30. Opaque watercolour and gold on paper. Folio: 33 x 23 cm, Painting: 24 x 15 cm. © Prahlad Bubbar

Six Mughal princes enthroned on a terrace. Mughal, 1700-20. Line drawing with some color. Folio: 34.5 x 24.5 cm, Drawing: 31 x 20 cm. Drawing related to the painting of six Mughal princes by Bhavanidas in the San Diego Museum. © Prahlad Bubbar

Timur’s army pursues Toqtamish Khan in 1391. A folio from Akbar's Zafarnama, 1595-1600. Ascribed to Banwari Khurd. Mughal, 1595-1600. Opaque watercolor, ink and gold on paper. Folio: 28 x 20 cm, Painting: 18 x 10 cm. © Prahlad Bubbar

Prahlad Bubbar (London, UK). Indian Paintings and Early Photography 1600–1880: Recent Acquisitions, 9-18 march 2017 at Arader Galleries, 1016 Madison Avenue, New York 10075. T (484) 919 8437 - M +44 790 047 1544 - info@prahladbubbar.com - prahladbubbar.com

Black Stone Stele of Lokesvara, India, Pala period, 11th century, 70 cm high © Buddhist Art

Buddhist Art (Berlin, Germany), Serene Deities, 9-18 march 2017 at at Arader Galleries, 1016 Madison Avenue, New York 10075. M +49 173 656 1260 or +852 536 54644 - buddhist.art@icloud.com - buddhist-art.info 

Superb Chinese Famille Verte Porcelain Rouleau Vase, Kangxi period, AD 1662-1722. Height: 17 inches (43.18 cm) © Ralph M. Chait Galleries, Inc.

Fine Chinese Famille Verte Porcelain Yenyen Vase, Kangxi period. Height: 18 in (45.72 cm). © Ralph M. Chait Galleries, Inc.

Unusual Chinese Celadon and Underglaze Red Porcelain Bottle Vase, ca. 18th-early 19th century. Height: 9 3/4 in (24.8 cm). © Ralph M. Chait Galleries, Inc.

Pair of Chinese Bronze Figures of Daoist Immortals, Ming dynasty, ca. 17th century. Height: 10 1/2 in (26.67 cm). © Ralph M. Chait Galleries, Inc. 

Ralph M. Chait Galleries, Inc. (New York, NY),Spring Collection of Chinese Art, 9-18 march 2017 at 16 East 52nd Street, 10th Floor, New York 10022. T (212) 397 2818 - info@rmchaitgal.net - rmchait.com

Silk samite with eagles holding grape in its beak. Silk, Central Asia, 7th-8th c., 52 3/4 x 53 1/2 in (134 x 13 cm) © Carlo Cristi

Prajnaparamita, Tibet, 12th century. Paper, pigments, ink. 2 3/4 x 3 1/2 in (7x9 cm) © Carlo Cristi 

Mahasiddha, Tibet, 16th-17th century. Loess, straw, pigments. Height: 12 in (30 cm). © Carlo Cristi 

© Christie's Images Ltd 2017

Paris - Le 22 mars, le département Dessins Anciens et du XIX^e siècle présentera sa vente annuelle. La vente du 22 mars s’inscrit dans le cadre des Journées du Dessin qu’organise la maison du 22 au 24 mars à l’occasion des foires Le Salon du Dessin et Drawing Now Paris. Cinq ventes seront ainsi proposées aux amateurs des XIX^e et XX^e siècles : Une collection française et Dessins Anciens et du XIX^e siècle le 22 mars, Atelier Degas etŒuvres Modernes sur papier le 23 et Art Impressionniste et Moderne le 24 mars. Près de 100 lots estimés autour d’1.5 million d’euros sont concentrés sur les dessins français et italiens des XVIII^e et XIX^e siècles et comptent quelques grands noms tels que François Boucher, Jean-Baptiste Greuze, Carmontelle, Louis-François Cassas, Honoré Daumier, Gianbattista et Giandomenico Tiepolo.

Depuis novembre dernier, l’équipe internationale des dessins anciens est chapeautée par Stijn Alsteens qui a rejoint Christie’s après cinq ans passés au Metropolitan Museum of Art de New York en tant que conservateur au département des Dessins et des Estampes.

Stijn Alsteens, directeur international et Hélène Rihal, en charge de la vente : « Après le succès de la vente Old Master & British Drawings de New York qui a totalisé plus de six millions de dollars le 24 janvier dernier, nous ne doutons pas que les collectionneurs qui se déplaceront à Paris pour profiter du Salon du Dessin viendront également admirer les feuilles importantes de la vente Dessins Anciens et du XIX^e siècle le 22 mars prochain ».

Cette très belle feuille d’étude de François Boucher, Femme nue debout : étude pour Vénus descendant de son char (€150.000-250.000 ; ill. en première page et détail à gauche) est l’un des rares dessins de nu féminin dessiné par l’artiste qui ait été réalisé d’après un modèle vivant. Boucher utilise ce dessin pour concevoir, l’un des quatre dessus de porte à sujets mythologiques de la Chambre à coucher de la princesse de Soubise, qu’il exposa au Salon de 1738. En 1735, le prince François de Rohan-Soubise fit totalement refaire l’un des hôtels particuliers les plus importants du Marais à Paris, celui de la princesse de Soubise par l’architecte Pierre-Alexis Delamair qui fit intervenir les peintes les plus renommés de l’époque : Jean Jouvenet, Jean Restout II, Carle van Loo, Charles Natoire, Pierre-Charles Trémolières et François Boucher.

François Boucher, Femme nue debout. Estimation : €150.000-250.000 © Christie's Images Ltd 2017

Cette étude de tête saisissante, Tête d’un homme, bouche ouverte, tournée vers la gauche, de profil (estimation : €150.000-200.000) se détache dans l’oeuvre dessiné de Giovanni Battista Tiepolo par son pouvoir émotionnel et par sa technique magistrale, si caractéristique de l’artiste. À côté de son oeuvre gravé et peint, la production graphique de Tiepolo est une branche essentielle de son art. Il dessinait pour donner libre cours à l’expression la plus franche et la plus complète de son génie’ (A. Mariuz, 'Giambattista Tiepolo' in The Glory of Venice: Art in the Eighteenth Century). Les études de tête étaient souvent dessinées d’après nature, représentant un membre de famille, un apprenti ou encore un assistant de l’atelier. Elles servaient d’étude préparatoire à des peintures et celle-ci pourrait avoir appartenu à un ensemble de dessins datant pour la plupart des années 1740 et 1750, exécutées avec un mélange de sanguines et de craie blanche, sur papier bleu. Cette oeuvre faisait autrefois partie d’un ensemble très important de dessins regroupés par Giovanni Domenico Bossi (1765-1853), miniaturiste, professeur et peintre à la cour de Munich. On pense qu’il a été l’élève de Giovanni Domenico Tiepolo (1727-1804) et il semble qu’il ait acquis directement auprès de lui ces dessins.

Giovanni Battista Tiepolo, Tête d’un homme de profil, bouche ouverte. Estimation : €150.000-200.000 © Christie's Images Ltd 2017

À l’âge de soixante ans, entre 1785 et 1790, Giovanni Domenico Tiepolo (1727-1804) concrétise son projet d’illustration de la Bible. De cette vaste entreprise, naît un exceptionnel ensemble qui compte aujourd’hui plus de trois cent dessins, constituant la célèbre Bible illustrée de l’artiste. Ces trois feuilles (de gauche à droite, lot 8 : €80.000-120.000, lot 9 : €60.000-80.000, lot 10 : €30.000-50.000), issues de cette série, sont une formidable redécouverte car elles n’ont pas été vues sur le marché depuis près d’un siècle, en 1921, lors de la vente aux enchères de Roger Cormier à Tours.

 Lot 8. Giovanni Domenico Tiepolo (1727-1804), Feuille de la Bible illustrée de l’artiste. Estimation :€80.000-120.000 © Christie's Images Ltd 2017 

 Lot 9. Giovanni Domenico Tiepolo (1727-1804), Feuille de la Bible illustrée de l’artiste. Estimation :€60.000-80.000 © Christie's Images Ltd 2017

Giovanni Domenico Tiepolo (1727-1804), Feuille de la Bible illustrée de l’artiste. Estimation :€30.000-50.000 © Christie's Images Ltd 2017

Dès le début de sa carrière, Honoré Daumier s’intéresse aux acteurs du système judiciaire français et porte un intérêt particulier aux avocats. Il habitait en face du Palais de Justice et se rendait régulièrement aux audiences pour y dessiner les personnages. Daumier est même embauché en tant qu’huissier, ce qui lui permet de connaître les rouages et les recoins du Palais de Justice. Au cours de sa carrière, Daumier travaille pour le quotidien Le Charivari, dans lequel il publie Les Gens de Justice et Physionomies du Palais de Justice. Son contrat prend fin dans les années 1860 et Daumier se lance dans la réalisation de dessins et tableaux finis, destinés à répondre à une forte demande des amateurs et collectionneurs. Ce dessin, Le Plaidoyer (estimation : €150.000-250.000) représente un avocat pointant ses deux index à son dossier, et s’inscrit dans cette période de la carrière de Daumier, considérée comme son apogée. Le premier propriétaire de ce dessin fut sans doute Emile Strauss (1844-1929), lui-même avocat.

Honoré Daumier, Le Plaidoyer. Estimation : €150.000-250.000 © Christie's Images Ltd 2017

Ce portrait réalisé par Jean-Etienne Liotard à la pierre noire, sanguine et craie blanche est celui de Charles Bonnet (estimation : €100.000-150.000). Charles bonnet était un philosophe et homme de science genevois, comptant parmi une élite de penseurs et scientifiques européens, qui publia plusieurs traités. Cette feuille fait partie d’un petit groupe de portraits indépendants qui présente un « négatif » au verso. Liotard a en effet repris les contours de la silhouette au dos à la sanguine, qu’il a ensuite comblé de craie et de pastel. La finesse de ce papier permettait à la matière du verso de renforcer et de contraster les couleurs du recto. La technique du « négatif »était courante dans l’art des miniatures sur ivoire et sur papier, formation initiale que reçut Liotard. Il a appliqué cette technique innovante sur des supports et avec des matières différentes. Peu de dessins faisant usage du « négatif » sont parvenu jusqu’à nous.

Jean-Etienne Liotard, Portrait de Charles Bonnet, pierre noire, sanguine et craie blanche. Estimation : €100.000-150.000 © Christie's Images Ltd 2017

Parmi les dessins de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle, figure Des archéologues examinant un bas-relief aux abords de la ville d’Athènes de Louis-François Cassas (estimation : €50.000-80.000). De ses premiers voyages à travers le Proche Orient et l’Asie Mineure, naîtra son attention toute particulière pour les dessins d’antiquités archéologiques. Il réalise cette feuille dans un camaïeu de bleu et de vert où l’on distingue au premier plan un groupe de voyageurs du Grand Tour qui étudient un bas-relief antique. L’arrière-plan révèle l’acropole d’Athènes depuis le versant sud avec le Parthénon qui domine cette ancienne forteresse et les restes du théâtre de l’Odéon d'Hérode Atticus en contre bas.

Louis-François Cassas (1754-1827), Groupe de voyageurs du Grand Tour étudiant un bas-relief antique. Estimation : €50.000-80.000 © Christie's Images Ltd 2017

Enfin, un très beau pastel de Jean-François Millet est emblématique de sa carrière. Bergère et son troupeau à la nuit tombée (estimation : €100.000-150.000) illustre le sujet de prédilection de l’artiste dans les années 1850-70. Millet rencontrait fréquemment ces bergers lors de ses promenades longeant la forêt de Fontainebleau et prennent souvent place dans ses gravures, dessins et peintures. Ce dessin très achevé et signé ne constitue pas une étude préparatoire mais plutôt une oeuvre à part entière.

Jean-François Millet, Bergère et son troupeau à la nuit tombée. Estimation : €100.000-150.000 © Christie's Images Ltd 2017

Vente : Mercredi 22 mars 2017 à 17h30
Exposition publique : Jeudi 16 mars au samedi 18 de 10h à 18h, dimanche 20 de 14h à 18h, lundi 21 et mardi 22 de 10h à 18h et le mercredi 22 de 10h à 14h
Christie’s : 9 avenue Matignon – 75008 – Paris

Vietnamese Ivory-Glazed Stoneware Jar, Lý dynasty, 12th-early 13th century A.D. Height: 21.3 cm. (8 3/8 in); Diameter: 21.5 cm. (8 1/2 in.) © 2016 Kaikodo

Jar with incised decoration, Trần dynasty, 13th-14th century, Vietnam, Hải Dương province, Red River Delta kilns. Stoneware with translucent greenish-yellow and iron glazes. H: 15 cm (5 7/8 in). Purchase — funds provided by the Docents of the Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Freer Gallery of Art, F1998.10 © 2017 Smithsonian Institution

Jars of this type have been excavated from the fifteenth-century layer of the Ba Đình citadel site in central Hanoi. Their use (suggested by two holes drilled in the shoulder) is not yet understood.

Bowl, Trần dynasty, 13th-14th century, Vietnam, Hải Dương province, Red River Delta kilns. Stoneware with iron pigment under translucent, gray-green glaze. H x Diam (overall): 10.8 x 18.6 cm (4 1/4 x 7 5/16 in). urchase — funds provided by Betty and John R. Menke, Freer Gallery of Art, F1998.13 © 2017 Smithsonian Institution

Bowl with incised decoration, Trần dynasty, 13th-14th century, Vietnam, Hải Dương province, Red River Delta kilns. Stoneware with celadon glaze. H x Diam (overall): 8.9 x 15.9 cm (3 1/2 x 6 1/4 in). Purchase — funds provided by the Docents of the Freer Gallery of Art and Arthur M. Sackler Gallery, Freer Gallery of Art, F1998.11 © 2017 Smithsonian Institution

Conical tea bowl with two glazes, Lý or Trần dynasty, 12th-14th century, Vietnam, Hải Dương province, Red River Delta kilns. Stoneware with ivory and iron-brown glazes. H x Diam (overall): 5.2 x 13 cm (2 1/16 x 5 1/8 in). Gift of the John Hadley Cox Archaeological Study Collection, Freer Study Collection, FSC-P-4140 © 2017 Smithsonian Institution

DALLAS, TX.- Opening March 12, 2017, Between Heaven and Hell: The Drawings of Jusepe de Ribera will be the most comprehensive presentation ever dedicated to the artist’s drawings— and the first major monographic exhibition organized on the artist in the United States in the last 25 years. Although Ribera is known principally for his paintings and prints, he produced an extensive corpus of drawings, many of which are independent studies or works of art in their own right. Co-organized with the Museo Nacional del Prado, the exhibition celebrates the publication of the first catalogue raisonné of the artist’s drawings, published jointly by the Meadows Museum, the Museo Nacional del Prado, and Fundación Focus. The Meadows Museum is the only U.S. venue for this exhibition.

Born in Valencia, Jusepe de Ribera traveled to Italy as a young man, making his way to Rome, where he continued to developed his “realist” painting style, and where he lived with a group of Caravaggisti, followers of renowned Lombard painter, Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610). Ribera then moved permanently to Naples—part of the Spanish Empire at the time—where he significantly influenced the course of artistic production in the 17th century. Although Ribera is regarded as one of the masters of the Spanish Golden Age, would be on any short list of master artists from the Golden Age of Spanish painting, it has been 25 years since he was the focus of a major retrospective in the United States.

Unlike Caravaggio himself—who seems not to have made drawings—Ribera produced a remarkable corpus of graphic art, with around 160 drawings attributable to him. Between Heaven and Hell highlights the variety of Ribera’s drawings, the technical skill in his use of pen, ink, and chalk, and the extraordinary originality of his subject matter, which includes anatomical figure studies, lively street scenes, capricious subjects, and scenes of martyrdom and torture. Coorganized by the Meadows Museum and the Museo Nacional del Prado, this exhibition includes 47 of Ribera’s drawings, 12 prints, 11 paintings, and one relief sculpture. Viewing such a wide range of drawings alongside works of art in other media allows the viewer a rare glimpse into the artist’s creative process. In some cases, the drawings are directly preparatory for the composition of a painting or print; in others, they enable the artist free rein to express his extraordinary imagination and creativity.

The Meadows presentation is organized thematically rather than chronologically in order to explore revealing parallels between the works across the trajectory of Ribera’s career. In some cases the themes relate to recurring motifs in Ribera’s work—such as hermits and martyrs or scenes of torture—while in others they concern the artist’s particular approach to representing the world around him in graphic form, whether through his uncompromising realism, or his profound interest in the macabre.

March 12 - June 11, 2017